„TÁR“ Musik Macht Missbrauch

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Auf der Berlinale hatte der Film TÁR mit Cate Blanchett seine Deutschland-Premiere, jetzt kommt er in die Kinos

Lydia Tár (Cate Blanchett), die fiktive Stardirigentin der Berliner Philharmoniker, braucht lange um uns in ihre glamouröse Welt mitzunehmen. Zwischen New York und Berlin lebt sie in einer Blase, führt hochelaborierte Gespräche über Musik, trifft angesehene Intellektuelle oder berühmte Musiker und ist besessen von ihrem Job, in dem sie endlich auch noch Gustav Mahlers „Fünfte“ einspielen möchte. Nach gefühlter endloser Kinozeit lernen wir auch ihre Frau Sharon Goodnow (Nina Hoss) und deren adoptiertes Kind Petra (Mila Bogojevic) kennen. Das wird in der Schule gemobbt und Tár lässt es sich nicht nehmen, persönlich einer Peinigerin ihrer Tochter Prügel anzudrohen: „Ich bin Petras Vater!“

Sie geht auch recht ruppig mit den Instrumentalisten ihres Orchesters um und will den Ersatzdirigenten, „diesen Roboter“, loswerden. In ihrem amerikanischen Lehrauftrag führt sie arrogant einen schnöseligen Musikstudenten vor, der sich weigert Bach zu spielen: Weil der so frauenfeindlich gewesen sei, dürfe man ihn heutzutage nicht mehr anhören. Als eine blutjunge russische Cellistin sie bezirzt, gibt sie deren Werben nach und will sie gleich zur Solocellistin machen. 

Tár ist kein sexistisches Monster, aber hier spürt man zum ersten Mal, dass die Grande Dame ihre Macht auch privat nutzt. Dann geht alles sehr schnell, denn die Blase platzt: Ein ehemaliges amerikanisches Orchestermitglied hat sich umgebracht, mit ihr hatte Tár eine Affäre und sie dann fallengelassen. Die Familie macht die Dirigentin für den Tod ihrer Tochter verantwortlich. Gleichzeitig taucht im Internet ein manipuliertes Video vom Streit mit dem Studenten auf. Mehr erfährt man nicht, aber Tár wird nun im wahrsten Sinn des Wortes erlegt: allein aufgrund der Gerüchte wird sie als Dirigentin suspendiert, der Lehrauftrag wird ihr entzogen, die Plattenproduktion macht jetzt „der Roboter“. Nachdem sie ihn auch noch während des Konzerts von der Bühne prügelt, stürzt sie ins Bodenlose…

Im letzten Jahr wurde der Film bei den Filmfestspielen in Venedig uraufgeführt, Blanchett erhielt den Preis für die beste Hauptrolle und wird seitdem für ihre leidenschaftliche Darstellung – „Ein Star spielt einen Star“ – weltweit gefeiert und prämiert.

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Die Transformation Pink Floyds

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Das Ensemble Echoes verwandelte am Sonntagabend, mit seinen eigenartig interpretierten Stücken der sagenhaften Band Pink Floyd, die Orangerie in einen Konzertsaal. Auf ihrer Akustiktour nutzt die Gruppe keine elektrischen Instrumente, keine Synthesizer, wohl aber Mikrofone und Verstärker.

Aus dem Bühnennebel ertönt zarte Glasmusik, behutsam setzt eine Klarinette ein, es wird heller. Langsam, äußerst langsam entwickelt sich das Intro. Hohe Gitarrenklänge, dann ganz zart das Klavier. Schließlich erdröhnt satt das Schlagzeug, die Klänge werden voluminöser, nun setzt der Gesang ein: „Remember when you were young / You shone like the Sun. / Shine on you crazy diamond…”

„Erinnere dich als du jung warst“ – aber gleich der erste Song macht auch deutlich, hier wird keine Nostalgie zelebriert, sondern die Echoes transformieren Pink Floyd gleichsam in die Gegenwart. Weitere, eher rockige Titel der Platte „Wish You Were Here“ (1975) mit kräftigen Saxophonklängen folgen, die Sängerin kommt dazu. In der fast ausverkauften Halle entflammt die Band sofort das mitklatschende Publikum. Bald gesellt sich auch das weibliche Streichquartett zu den Musikern, beim Song „Welcome to the Machine“ treibt es mit Geigen und dem markanten Cello den Rhythmus von Bass und Schlagzeug voran. In späteren Stücken unterstützen sie auch mit hohen schrillen Streichtönen die Gitarren, niemals werden sie süßlich.

Vor der Pause erklingt der zwanzigminütige Song „Echoes“, nach dem sich die Gruppe benannte. Das programmatische Werk markierte 1971 den Übergang Pink Floyds, die Entwicklung von Psychedelic- zu Art- und Progressive-Rock. Auch die Interpretation in der Orangerie folgt dem vielschichtigen Aufbau des Originals, der ganzen Spannweite von sanften Klängen, rockiger Musik über heulende, sirrende, atonale Geräusche bis zu Anklängen Neuer Musik: „…And no one sings me lullabies / And no one makes me close my eyes…“

Nach der Pause sind Songs von den Platten „The Dark Side oft he Moon“ (1973) und „The Wall“ (1979) zu hören: „Hey, teacher, leave us kids alone“, singt das Publikum feste mit. Es ist erstaunlich, wie abwechslungsreich und vielschichtig die Echoes mit Titeln von nur drei Platten aus dem 1970er-Jahren, die zweieinhalb Stunden des Abends gestalten. Rockige, manchmal angejazzte Tanzstücke, dann wieder komplexe, achtsam aufgebaute – vom Pathos Pink Floyds befreite – Musikdramen.

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Same, same but different…

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Neue Wege des Tanztheaters Pina Bausch
Beinahe ein halbes Jahrhundert nach der Uraufführung, zelebriert ein afrikanisches Tanzensemble kraftvoll die Wiedereinstudierung des “Frühlingsopfers“ von Pina Bausch in Wuppertal.

Aggressive schwarze Tänzer stampfen rhythmisch durch Torf auf
dem Bühnenboden. Verzweifelt klammern sich dunkelhäutige Tänzerinnen in weißen Kleidern aneinander, manche winden sich in der Moorerde. Eine der Frauen wird das Opfer und muss sich im roten Kleid zu Tode tanzen… Diese Performance ist kein Als-ob-Theater, die Beteiligten agieren real bis zur Erschöpfung.

Ende Januar wurde die, bis ins Detail rekonstruierte Choreografie durch die ad hoc gebildete afrikanische Compagnie, vom Publikum frenetisch gefeiert. Pina Bauschs Interpretation der Ballettmusik Igor Strawinskys – in der Tradition des deutschen Ausdruckstanzes – begründete ihren internationalen Ruhm als Pionierin des Tanztheaters und ist bis heute ihr am meisten gespieltes Stück.

Dieses Event – mit einer weiteren Darbietung der Wuppertaler Compagnie „Café Müller“ (Foto links) und dem Duo einer jeweils sehr alten weißen und schwarzen Tänzerin „common ground“ (Foto rechts) – ist die erste und vor allem exemplarische Kooperation des Tanztheaters mit der Pina-Bausch-Stiftung. 14 Jahre nach dem Tod der Choreografin sind die grotesken Streitereien um ihre Nachfolge überwunden. Der Ausbau des alten Stadttheaters zum Pina-Bausch- Zentrum, unter anderem mit fester Spielstätte für die Truppe und ihrem Archiv, ist planerisch vollendet, die öffentliche Finanzierung gesichert.

Nach einigen Irrwegen sind die Ziele festgelegt, das Werk soll gepflegt und erhalten, aber ebenfalls neue Wege des Ensembles ermöglicht werden. Dazu sind Kooperationen mit Kunstschaffenden aus anderen Bereichen – wie Architektur, Film oder Bildender Kunst – vorgesehen. Eine stärkere Partizipation des Publikums ist angestrebt: Derzeit werden 200 Laien für ein tänzerisches Straßenprojekt in der Stadt gesucht, das der neue Intendant Boris Charmatz initiiert.

„Tradition ist nicht das Bewahren der Asche, sondern das Schüren der Flamme.“ Das wurde exemplarisch an demTanzabend deutlich und gilt für das gesamte, weiterhin gezeigte choreografische Werk der Pina Bausch. Alljährlich geht die Compagnie auf Welttourneen mit alten Stücken. Deren Themen – etwa was tun Menschen um geliebt zu werden oder der Widerspruch von Nähe und Distanz in der Liebe – sind weiterhin hochaktuell. Stets sind die Wuppertaler Vorstellungen ausverkauft und werden auch von jungen Leuten gefeiert. Viele der Neuen, die in den aufgefrischten Choreografien tanzen, kennen Pina Bausch gar nicht mehr. Ehemalige Ensemblemitglieder ermöglichen durch ihre Mitarbeit die präzise „Rollenweitergabe“:

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Klagelieder voller Sehnsucht

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Sara Nowotny (44) kennt man vielleicht als Mediengestalterin, als Sängerin ist sie jedoch weitaus prominenter. Jahrelang coverte sie Blues- und Soulmusik mit der Band „Good News“ und tourte in Osthessen.

Wir treffen sie im neuem Tonstudio von TAPP, in dem sie mit ihrer Band „BLACK owl“ sechs Stücke aufnimmt. Live präsentierte die Gruppe ihre Songs bereits bei „Rock am Hinkelhof“ im Juli. Ganz in schwarz steht die Sängerin vor dem Mikro, konzentriert sich, schließt die Augen. Die Gitarre beginnt düster, das Schlagzeug setzt ein. Sara wird ganz Stimme und intoniert mit großer Präsenz: „My unfulfilled desires / Pile up high to the sky“ (meine unerfüllten Wünsche / türmen sich bis zum Himmel). Ihre Stimme hat ein dunkles Timbre, der Gesang ist klarer und reifer als früher.

Dieser neue Titel „Goodbye Lullaby“ ist ein Klagelied voller Sehnsucht, auch die weiteren, meist elegischen Songs trägt sie ungekünstelt und eindringlich vor. Selbst wenn man englische Texte nicht gleich völlig versteht, erzeugen die Moll-Klänge und Saras Stimme Gänsehaut… Man fühlt, das wovon sie singt, hat sie wirklich erlebt. 

Trostlos sind ihre Texte nicht, denn man spürt die Power ihrer Kämpfe mit den Unbilden des Lebens: Die Sängerin musste – oder wollte – einige heftige Brüche in der Musik verarbeiten. Man kann nicht alle Erlebnisse ausbreiten, aber einige sind schon bemerkenswert: Sara lernte als Kind zahlreiche Instrumente, später begann sie in Bands zu singen. Mit 21 Jahren bekam sie durch zwei Musiker aus Schlüchtern diverse erfolgreiche Kontakte: Eine Plattenfirma bot ihr einen Vertrag an, für eine TV-Serie sang sie den Titelsong, ihre Coverversion eines Hits von Yazoo kam in die UK-Dance-Charts. 

Für dieses Stück forderten ihre Unterstützer, sie solle sich vier Jahre jünger ausgeben und Performance-Tanz im engen Negligé zum Vollplayback des Songs machen. Das lehnte sie ab: „Da verpflichteten sie ohne mein Wissen eine junge Sängerin, die bei TV-Auftritten zu meiner Stimme die Lippen bewegte.“ Doch zum endgültigen Bruch kam es, weil der damalige Produzent darauf bestand, finanziell und entscheidungsmäßig in den IHR angebotenen Plattenvertrag eingebunden zu werden. „Also ab da war ich raus aus der Musik!“

Sie begann eine Ausbildung als Mediengestalterin, in der sie alle Elemente des Web- und Print-Designs lernte. Direkt nach der Ausbildung machte sie sich selbständig. Acht Jahre später erkrankte sie schwer, konnte zwei Jahre lang nicht mehr arbeiten, holte jedoch das Abitur nach – und begann ein Jurastudium:

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Zwischen Nonsens und Selbstreflexion

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Poetry-Slam mit Lars Ruppel im KulturWerk:
Die Aneinanderreihung von Schriftzeichen / man nennt sie Wörter, die etwas bezeichnen / sie flatterten, flogen, piekten oder bohrten / sich fürchterlich geschwind durch unsere Ohren… 

Oder um es nun im Zeitungsdeutsch auszudrücken: Die poetischen Wortkaskaden, die am KulturWerk-Abend auf das Publikum herabprasselten, ließen sich kaum mitschreiben. Diesem Poetry-Slam-Sturzbach ging ein Workshop von Lars Ruppel mit 16 Schülern und Schülerinnen im Hutten-Gymnasium voraus. Bereits am Nachmittag motivierte er die Jugendlichen den inneren Deutschlehrer zu ignorieren und frei von gewohnten Sprachzwängen, einfach drauflos zu dichten. Um „neue Welten zu erschaffen“ bot er ihnen außergewöhnliche Spiele mit Wörtern an. 

Der Poet ermunterte sie, etwa tief im Wortschatzkästchen, unbekannte Synonyme zu suchen: Was kann man denn für Hund oder zum Fliegen sagen (siehe oben die von ihm inspirierte Einleitung des Verfassers dieser Zeilen). Oder das Sprachspiel, schnell sagt nacheinander jeder ein Wort zu einer Geschichte, in einem vorher festgelegten Genre. Heraus kamen absurde, surreale, deutschfehlerhafte und wenig logische Erzählungen. Aber genau mit diesem Spiel schuf er auch abends im Publikum eine entspannte und kreative Atmosphäre. Darin trauten sich sieben Jugendliche mit ihren Texten auf die Bühne und slammten ausdrucksstark über ihr Leben. 

Daraus wollen wir hier klitzekleine Auszüge zitieren. Kathi spielte mit Zahlen und dem Älterwerden: „Mit dreißig dann der erste Schock / Wo ist die Zeit geblieben?“ Pia erkannte, „tausch doch dein Gewissen ein / schuldig will hier keiner sein!“ Kilian fragte, „wer bin ich / ich bin ein lebender Mensch / bin ein liebender Mensch.“ Tim träumte, „ich bin gar nicht hier / zumindest wünsch ich es mir.“ Frida war richtig sauer, „nicht allein durch die nächtlichen Straßen gehen zu können / doch ich liebe das Leben.“ Michelle „sieht in die Zukunft und wird nicht schlau draus“, glaubt aber optimistisch, „dass ich alles schaffen kann.“

Philipp dachte darüber nach, „was soll ich werden? Was ist das Richtige für mich.“ Eine hervorragende Abi-Rede freute sich Moderator Ruppel, der die Themen der jungen Leute jedes Mal aufnahm und kommentierte. Blitzschnell trug er zwischen ihren Auftritten Assoziationen dazu bei, erzählte witzige oder makabre Erinnerungen an die eigene Jugend („Meine Mutter weinte als ich Dichter werden wollte“) und deklamierte seine Gedichte. 

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Hip-Hop trifft zeitgenössischen Tanz

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Im ausverkauften Schlosstheater in Fulda präsentierte das siebenköpfige französische Ensemble „Dyptik“ zeitgenössischen Tanz mit Breakdance-Einlagen.

Im Saal ist es dunkel. Ein sirrender Ton steigt an. Das Licht wird langsam heller, beleuchtet eine androgyne Gestalt an einem riesigen Tisch auf der Bühne. Aus der Dunkelheit am Rand lösen sich Tanzende mit drehenden, hockenden, bizarren Bewegungen. Die Töne werden komplexer und bedrohlicher, die einsame Figur am Tisch zittert, zuckt, malt Kreise in die Luft. Behutsam nähern sich die Anderen dem Tisch. Okkupieren ihn, werden aggressiver. Die Solistin verschwindet an den Rand der Rampe. Einzelne lösen sich aus der Gruppe oder werden ausgegrenzt. Kehren wieder zurück. Paare locken einander, nähern sich an, verlieren sich wieder. Der Tisch wird an den Rand geschafft, die Stimmung der Musik und damit auch der Tanzenden changiert zwischen Drama und Entspannung.

Kräftiger und intensiver wird der durch die Musik vorgegebene Tanzrhythmus. Chorische Bewegungen des Ensembles wechseln mit individuellen Ausdrucksformen. „Dyptik“ zeigt Elemente des zeitgenössischen Tanzes mit seinen typischen eigenartigen Bewegungen und akrobatischen Einsprengseln. Unaufhörlich werden die Tanzenden durch die laute Musik, den intensive Rhythmus vorangetrieben. Spürbar ergreifen ihre unbändige Energie und Bewegungslust auch das Publikum.

Manchmal geht eine Tänzerin oder ein Tänzer zu Boden, dreht und windet und überschlägt sich dort im Breakdance. Kehrt zurück in die Formation. Diese artistischen Einlagen entstehen flüssig aus den übrigen Abläufen und Situationen, sie wirken nicht wie künstliche Schaueinlagen. Mal kommt es auch zu „battles“, zu Kämpfen, wie man sie aus der ursprünglichen Hip-Hop-Bewegung kennt: Wer kann die schnellsten, geschicktesten, kunstvollsten Bodenfiguren? Wer gewinnt? Hier bricht gelegentlich auch das Rohe, das Ungeschliffene dieser Kultur hervor: Ein Tänzer zeigt plötzlich sehr lange seine Niederlagen, seine Verzweiflung, seine Hoffnungen in einem endlosen Breakdance am Boden. Das ist keine Schauspielerei, sondern tänzerisch ausgedrückter Kampf und Widerstand gegen das Schicksal. 

Ein großer Tänzer steht träumend auf der Bühne, eine kleine Tänzerin tanzt und reibt sich an ihm, rennt gegen ihn an, windet sich um ihn herum, verschwindet. Der Träumer zittert mit dem Kopf, dann mit seinen Gliedmaßen, schließlich wie irre mit dem ganzen Körper.

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Dornröschen in Kassel

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Im Kasseler Staatstheater setzt die Tanzsparte den Diskurs mit Tschaikowskys klassischen Balletten fort. Nach „Schwanensee“ im letzten Jahr, zeigen zwei Gastchoreografinnen zeitgenössische Varianten von „Dornröschen.“

Auf der schneeweißen Bühne schlängelt sich eine schwarzglänzende Gestalt aus einem silbrigen Behältnis. Sie windet, verschlängelt, verbiegt sich. Stakst mit bizarren Bewegungen zu Industrial-Klängen umher. Zuletzt wird sie durch eine riesige, weiß gewandete Figur mit Baby, von der Rampe gezerrt. Mehr und mehr strahlendweiße Tanzende erscheinen und vollführen irrsinnige akrobatische Bewegungen. Sie wirken wie Gummimenschen mit starren Puppenaugen.

In „100 years 100 hearts“ entstehen eigenartige Traumbilder, die man so noch nicht im Tanztheater gesehen hat. Sie alleine sind den Besuch des Doppeltanzabends wert! Mit weiteren Szenarien führt uns die Choreografin Liliane Barros durch unwirkliche Welten. Sie bezieht sich auf Symbole des einst wilden Märchens, das im Laufe seiner Verbreitung stark gekürzt und gezähmt wurde. Ungezügelte, ja böse Unterströmungen der Erzählung werden freigelegt. Doch es gibt auch sanfte Bilder: die Zwillinge die sich in verbindenden Schnüren hin- und herwiegen, menschliche Skulpturen in verhüllenden Tüchern. „Ich bleibe in meiner Kreation abstrakt, visuell, atmosphärisch, intuitiv, archaisch – um den Raum für Assoziationen zu öffnen“, so die Choreografin.

Raum für eigene Interpretationen enthält auch „Dawn and Day“, die zweite Dornröschen-Adaption von Sita Ostheimer. Sie hat jahrzehntelang für den Choreografen Hofesh Shechter gearbeitet, was man ihrem Stück überdeutlich anmerkt. Im Halbdunkeln, ab und zu bei grellem Licht wird unaufhörlich kraftvoll-dynamisch zu rhythmischer Musik getanzt – wie man es von Shechter kennt. Immer und immer und immer wieder auf dem gleichen Level entstehen Tanzbilder, Begegnungen, chorische Bewegungen. Oft sind sie im Dämmerlicht nur schwer zu erkennen. Ostheimer will so die Schichten des Märchens, die im Laufe der Jahrhunderte entstanden, gleichsam archäologisch wieder ausgraben. 

Weitere Aufführungen am 19. November sowie am 16., 20. 23. und 26. Dezember

Fotos aus „100 years 100 hearts“ von  © Sylwester Pawliczek

„Ach du Scheiße“

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Ein deutsches Amalgam aus Thriller, Black Comedy und Horror
„Ach Du Scheiße!“ Diesen schmuddeligen Filmtitel muss man wörtlich nehmen, denn das cineastische Kammerdrama in Echtzeit findet in einem umgefallenen Dixiklo statt. 

Voller Schmerz erwacht ein Mann in dem transportablen Klohäuschen. Auf seinem Arm krabbelt ein Marienkäfer. An der Wand hängt das Poster einer nackten Frau. Als er sich bewegen will, schreit er vor Schmerzen: Mit einem, durch seine linke Hand getriebenen Stahlstab, steckt er fest in seiner Zelle. „Ach Du Scheiße“, entfährt es ihm, als er seine hoffnungslose Situation erkennt.

Von draußen, aus dem Off, plärrt die Lautsprecherstimme des – wie wir später erfahren – zukünftigen und korrupten Bürgermeisters, der von der gleich erfolgenden „Sprengung der alten Villa“ erzählt. Irgendwie wird dem Mann und uns Zuschauern klar, dass dann auch das Klo in die Luft fliegt. Die Stimme aus dem Off zählt die Zeit herunter, „noch zwanzig Minuten“, „noch fünfzehn Minuten“ – und begründet unaufhörlich die ökonomische Notwendigkeit, dieses Gebäude zu beseitigen. Verzweifelt gelingt es dem Gefangenen die Tür aufzustoßen. Sein Handy fällt dabei in die Kacke, mühselig pult er es heraus und schafft es sogar die Polizei anzurufen. Doch die hält ihn für einen Irren als er seine Lage schildert und tut erst einmal – nichts.

Mittlerweile wissen wir, dass der Gefangene Frank (Thomas Niehaus) heißt und der Architekt eines Großprojektes ist, der gegen die Sprengung kämpfte. Durch einen Spalt kann er draußen eine gefesselte und geknebelte Frau erkennen, die kritische Beamtin vom Bauamt. Irgendwann taucht auch sein Widersacher, der zukünftige Bürgermeister auf, ermordet einen schwarzen Sprengmeister und nimmt dem Gefangenen die Illusion, sich selbst befreien zu können. Der Architekt halluziniert seine Freundin herbei, mit der er verliebt in der Kacke liegt…

Die Grundidee des Films, die Handlung nur im Dixiklo spielen zu lassen und fast alle Informationen lediglich durch die Lautsprecherstimme zu bekommen, ist großartig. Aber nach einer dreiviertel Stunde wird es einfach langweilig, auch wenn der Streifen mittlerweile zum Splatterfilm mutiert: das Blut spitzt kräftiger, Körperteile wie der Kopf des Sprengmeisters fliegen durch die Luft. Man schaut sich den Film nur noch deshalb bis zum Ende an um Herauszufinden, wie der Regisseur den Genre-Mix zu Ende bringen will.

Aber wie er das macht, das wird hier natürlich nicht verraten…

Foto:
© Daniel Dornhoefer Neopol-Film

Info:
„Ach Du Scheiße!“, Deutschland 2022, 90 Minuten, FSK 16 Jahre
Regie Lukas Ringer mit Thomas Niehaus, Gedeon Burkhard, Olga von Luckwald und anderen

Siegheilkirchen

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„Willkommen in Siegheilkirchen!“ Der Name des imaginären Ortes in Österreich verweist auf Nazireste und Spießertum in den Anfängen der 1960er-Jahre. Der Film basiert auf animierten aber gerade noch wie echt wirken Figuren, des 2016 gestorbenen Karikaturisten Manfred Deix. Auch für Menschen geeignet, die keine Animationsfilme mögen…

Rotzbub, der pubertierende Wirtshaussohn, zeichnet nackte Frauen, die zwei seiner geschäftstüchtigen Klassenkameraden als Wichsvorlagen verkaufen. Auf einem Bild fährt die nackte Nachbarin ihre riesigen Brüste im vorderen Fahrradkorb herum. Aus der üppigen nackten Bürgermeisterin wird eine hügelig-erotische Landschaft. 

Zur Frage in der Schule – „was will ich als Erwachsener werden?“ – fällt dem Jungen nicht viel ein. Statt den geforderten Aufsatz zu schreiben, zeichnet er ein Daumenkino, in dem sich die Nachbarin mit Rubensfigur entkleidet. Künstler will der Zwölfjährige werden, das könnte er, meint auch der lüsterne Kunstmaler aus der Großstadt. Er soll die verblassten Nazisprüche am Rathaus übermalen, treibt es mit den ledigen voluminösen Frauen im Ort und nutzt den Bub als Helfer zum Farbeanrühren.

Drumherum treiben die Altnazis ihr Unwesen, der Friseur will endlich selbst einmal Führer werden. Der Dorfpolizist ist ständig besoffen, die Bürgermeisterin korrupt, der Pfarrer ein brutaler Despot. Als sich eine Romafamilie in der Nähe von Siegheilkirchen niederlässt, planen die Rechtsradikalen ein Attentat: „Weg mit dem Ungeziefer.“ Rotzbub verliebt sich in die Tochter eines Romaweibs, die jedoch seinen Avancen zurückweist: „Du Dorftrottel!“ Mutter und Tochter sind für Zigeunerinnen, wie man sie damals beschimpfte, erstaunlich emanzipiert. Im wirklichen Leben hätten sie diese Rechte in ihrer Sippe bestimmt nicht gehabt. Rotzbub versucht gemeinsam mit einem Freund der Romas und einem kiffenden Hippie, der in Siegheilkirchen eine neue Kneipe eröffnet, den Überfall auf das Lager der Roma zu verhindern…

Spießertum, Doppelmoral, Gewalttätigkeit, Rassismus und Sex sind die Zutaten, die bereits Deix in seiner grotesken Bildergeschichte „Rotzbub“ zusammen mixte. Allenfalls Liebe und Aufrichtigkeit ermöglichen in seiner coming-of-age-Erzählung hoffnungsvolle Auswege. Bis zu seinem Tod arbeitete der Zeichner an dem Streifen mit, später konnte Markus H. Rosenmüller als Regisseur gewonnen werden, der bereits in seinem Film „Wer früher stirbt ist länger tot“ einen ähnlichen Jungen cineastisch begleitete.

Der Film bringt die gesellschaftliche Situation vor der weltweiten 68er-Revolte derb, unanständig und provozierend auf den Punkt. Es gibt viel zum Lachen – das einem manchmal allerdings im Hals steckenbleibt. Deix und seine Filmemacher wussten, aber auch wir wissen, dass sich die Verhältnisse dann doch noch radikal wandelten. Darüberhinaus ist „Willkommen in Siegheilkirchen!“ eine hinreißende Hommage an den Karikaturisten, die autobiografische Elemente enthält.

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Berlinale 2022

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Gestern Abend begannen die Filmfestspiele in Berlin mit „Peter von Kant“, einer kühnen Interpretation des Fassbinder-Streifens „Die bitteren Tränen der Petra von Kant“ durch den Regisseur François Ozon. Der rote Teppich ist vor dem Berlinale-Palast ausgerollt und die Hauptstadt hängt voller stilisierter Bärenplakate: Die 72. Berlinale findet tatsächlich statt, wenn auch mit strengen Hygienekonzepten, 50% weniger Plätzen und einem etwas eingeschränkten Programm. Dennoch überschlugen sich hämische Kommentare in manchen Medien und Netzwerken, die Filmbranche wolle doch nur sich selber ohne Rücksicht auf Verluste feiern – aber das Gegenteil ist der Fall! Manche filmwirtschaftliche und andere Industrial Events finden eher online statt, das größte Publikumsfestival der Welt wollte jedoch die Kinofans nicht enttäuschen und zeigt 256 Filme dem öffentlichen Publikum.

Der Wettbewerb wurde um einige Tage gekürzt, die Bärenverleihung findet bereits am Mittwoch statt, dafür muss man als Journalist einige Male vier Streifen am Tag ansehen. Doch für das Publikum werden dadurch mehr Aufführungen wiederholt. Während bei den beiden anderen großen Filmfestivals in Venedig und Cannes die Stars, Cineasten und Prominenten meist unter sich bleiben, kamen in Berlin in den letzten Jahren jeweils weit über 300.000 normale Besucher und Besucherinnen in die Festival-Lichtspielhäuser. Mit dem Anspruch „Berlinale Goes on Kiez“ werden, wie in den letzten Jahren, kleinere Programmkinos in den Stadtteilen Aufführungen wiederholen. 

Das Publikum kann nun alle Filmschaffenden in diesem Jahr wieder auf dem roten Teppich, im Festspielpalast und anderen Orten live erleben. Nach der vorletzten Berlinale 2020 begann wenige Tage später der erste deutsche Lockdown mit seinen einschneidenden Konsequenzen für alle Kulturbereiche. Im letzten Jahr war das Festival zweigeteilt, wir Journalisten durften im Frühjahr sämtliche Beiträge aller Sektionen im heimischen Fernsehen oder auf dem Computer gucken, im Sommer konnte man die populärsten Streifen in Berliner Open-Air-Kinos sehen. Dort gab es dann eher fröhliche Biergartenstimmung als intensive Kinoerlebnisse.

Wie immer wird viel über den Wettbewerb mit seinen 18 Werke diskutiert: Ist es ausreichend, dass „nur“ sieben Filmemacherinnen dabei sind? Warum gibt es lediglich zwei deutsche Beiträge und nur einen aus Hollywood? Nun ja, der Anteil von weiblichen Filmschaffenden auf dem Festival war schon immer beträchtlich höher als bei vergleichbaren Events. Die Berlinale ist kein Heimatfest, es gab bisher auch viele Festspiele ohne teutonische Streifen im Wettbewerb.

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