Ausstellung „Von Fischen und anderen Gräten…“

Unter dem Titel „Von Fischen und anderen Gräten“ präsentiert die Fuldaer Künstlerin Martina Theisen neue Arbeiten: Ihre maritimen Bilder in der kommunalen Galerie der Stadt Gersfeld sind eine Gradwanderung zwischen angewandter und freier Kunst.

Auf dem Plakat zur Ausstellung zeigt ein Wal Yoga-Übungen. „Geldhaie“ saugen an ihren Zigarren. Ein säuerlich guckender Fisch, hinten schon ein wenig in Scheiben geschnitten, begrüßt uns als „Zitronenhai“. In einer Ölsardinendose schlafen kleine Fische. Aufrecht stehend in Matrosenanzügen salutieren in der „Doraden-Parade“ aufgekratzte Goldbrassen. Die Idee zu ihrer Schau entstand auf der von Meerestieren umgebenen Insel Spiekeroog, wo sich die Künstlerin gerne aufhält. Soll man ihr tatsächlich glauben, dass es diese Wesen alle in Wirklichkeit gibt, wie sie behauptet? Die diversen Grätenviecher sind jedenfalls nicht realistisch gezeichnet oder gemalt, fast immer wirken sie unwirklich, ja grotesk, wie Karikaturen oder Comics.

Alle abgebildeten Seekreaturen sind mehr oder weniger vermenschlicht und bleiben doch Meerestiere: Daraus entsteht die Komik, die in der ernsthaften Bildenden Kunst einst nicht so beliebt war. Theisen spielt auch mit ihren Titeln, einerseits weisen sie Wege zum Verständnis und provozieren lachende Erkenntnis, andererseits sind sie gelegentlich auch Wortspiele: „Der Wal trägt einen Schal mit Aal“, heißt ein Werk. Oder Schweine, also Meerschweine, nutzen einen fetten Delphin als Tauchboot: „We all live in a yellow submarine“, möchte man da fröhlich mit den Beatles singen.

Theisens Arbeiten sind durch Mischtechniken entstanden, sie malt und zeichnet mit Stiften, Kohlen und Kreiden auf farbiges Tonpapier. Die Künstlerin nennt sich Illustratorin, bereits als Kind hat sie ihre Puppen mit Filzstiften angemalt und dann mit ihnen Indianer gespielt. In Mainz studierte sie Kommunikations-Design, seit 2001 illustrierte sie bisher über 60 Kinder- und Erwachsenenbücher für renommierte Verlage. „Mein großes Körperbuch“ von Professor Dietrich Grönemeyer weist Ihre bekanntesten Illustrationen auf. Weiterlesen

„Das Roadstories Projekt“ – über das Künstlerbuch von Leonie Hochrein

Ein Jahr lang zog die junge Künstlerin Leonie Hochrein durch die Welt und stellte jede Woche einem ihr bekannten oder fremden Menschen drei Fragen zu Glück, Heimat und einigen prägenden Ereignissen im bisherigen Leben. Zu den notierten Antworten fertigte sie jeweils ein Fotoporträt von dem Menschen, der an die nächste Person eine eigene vierte Frage stellen sollte:

„Beschreibe das Gefühl jemanden innig zu lieben“, wollte eine wissen, andere fragten, „Was ist deine Kunst?“ oder „Welche Bedeutung hat Sexualität in deinem Leben?“ Mit diesem Projekt begann Hochrein noch vor dem Abschluss ihres Kunststudiums an der Alanus-Hochschule für Kunst und Gesellschaft. Ihre „Roadstories“ sind kein distanziertes Interviewprojekt, in dem sie Befragte zum Objekt macht. Stattdessen destillierte sie 51 intensive Vignetten aus ihren offenen Gesprächen. Im 52. Interview wollte sie selbst zu Wort kommen, doch während der Nachbearbeitung der authentischen Begegnungen verunglückte die Künstlerin (23) tödlich mit ihrem Lebensgefährten auf einer alpinen Bergtour. Mit zwei Redakteurinnen aus dem Freundeskreis setzte Ihre Mutter die geplante weitere Arbeit fort. 2018 stellte sie das Projekt bei den Dirloser Kunsttagen vor und veröffentlichte vor kurzem „Das Roadstories Projekt“ als englisches und deutsches Künstlerbuch.

Das Werk ist grafisch gut gestaltet, großzügig aufgemacht, angenehm anzufassen, schön anzusehen und gut zu lesen – trotz seiner strengen Systematik: Ganz knapp erzählt Hochrein zunächst jeweils von ihren eigenen Beobachtungen und Gefühlen im Gespräch, bleibt also nicht außen vor. Es folgt ein ganzseitiges, stark angeschnittenes Bildporträt der Befragten, danach deren meist nachdenkliche Antworten und die Frage an die nächste Person. Weiterlesen

„Lara“ mit Corinna Harfouch – ein schöner melancholischer Herbstfilm

Eine Frau erwacht langsam in der Morgendämmerung, steht kraftlos auf, öffnet weit das Fenster, krabbelt auf einen Stuhl, stellt sich mit ausgebreiten Armen vor die Öffnung. Als man denkt, „gleich springt sie“, klingelt es an der Tür. Polizisten bitten sie, einer Durchsuchung im Haus als Zeugin beizuwohnen, später gratulieren sie zum 60. Geburtstag, als sie ihren Ausweis zeigt. Ein seltsamer Beginn für diesen melancholischen Herbstfilm, der ohne Rückblenden nur einen Tag im Leben Laras (Corinna Harfouch) zeigt.

Wie in seinem Debütwerk „Oh Boy“, präsentiert Regisseur Jan-Ole Gerster sieben Jahre später in seinem erst zweiten Werk, ebenfalls nur einen Tag in Berlin im Leben seiner Protagonistin. Laras Sohn Victor ist Tom Schilling, der im Erstling des Filmemachers den „Boy“ darstellte. Am Geburtstag seiner Mutter wird er sein erstes großes Konzert als Pianist und Komponist geben. Die allein lebende, vor kurzem in Pension gegangene Lara, hebt alle Ersparnisse von der Bank ab und kauft die Restkarten für die Musikaufführung. Beim Verteilen der Karten an Freunde, Bekannte oder Ex-Kollegen tauchen wir in ihr Universum ein und spüren ihre Verletzung, ihren Neid. Gerne wäre die offenbar hochbegabte Frau selbst eine große Pianistin geworden, stattdessen wurde sie Verwaltungsbeamtin und trieb den Sohn zur Erfüllung ihrer eigenen Lebensträume.

Corinna Harfouch spielt die Mutter ganz undramatisch, gleichsam mit zurückgehaltener Energie, aber beträchtlicher Glaubwürdigkeit: Sie ist bösartig und doch fürsorglich, sarkastisch und doch einfühlsam, arrogant aber verunsichert. Ihre mit langen Einstellungen erzählte, melancholische Geschichte ist spannend, oft weiß man nicht, wie entscheidet Lara sich gleich, was passiert als nächstes?

Wie unter einem Mikroskop werden ihre Beziehungen in der zerfallenen Familie, bei der Arbeit und in ihrem Umfeld bloßgelegt. Man fragt sich, ist sie in einem falsch gelebten Leben gefangen? Weiterlesen

Hoffnung auf einen Oscar – über den großartigen Film „Systemsprenger“

Benni (Helena Zengel) liegt mit völlig verkabeltem Kopf im Klinikbett. Ein Neurologe ist auf der Suche nach ihrer Unbeherrschtheit und der Wunderpille für sie: „Du kannst Dich besser kontrollieren wenn Du Dich aufregst!“ Doch kaum ist das Mädchen aus dem Spital heraus: Rasendes Geschrei. Grellfarbenes Flackerlicht. Aufblitzende Rückblenden. Schrille Geräusche. Dazwischen Schluchzer: „Nein! Ich will nicht in die neue WG. Ich will zu Mama!“ Wilde nervöse Bild-Collagen ziehen uns in Bennis Kopf hinein.

Schnell sucht man als Zuschauer nach Schubladen für die Neunjährige: „Hat die ADHS?“ „Eine Bindungsstörung?“ Um es gleich vorweg zu sagen: Dieser Streifen ist keine Sozialschmonzette über ein unzähmbares Kind, wie sie schon mehrfach erzählt wurde. Doch solch einen Spielfilm mit dieser Intensität und neuer cineastischer Ästhetik gab es noch nie im kommerziellen Kino: Zu recht erhielt „Systemsprenger“ auf der letzten Berlinale einen Silberbären für „neue Perspektiven der Filmkunst.“ Er wurde auch für den aktuellen Europäischen Filmpreis und als deutscher Beitrag in die Auswahl fünf fremdsprachiger Streifen für den nächsten Oscar nominiert.

Aber erzählen wir der Reihe nach: Bennis Mutter (Lisa Hagmeister) hat noch zwei kleine Kinder und kommt mit ihrer ältesten Tochter einfach nicht klar, die muss deshalb immer wieder ins Heim oder zu Pflegefamilien. Auch aus der neuen WG flüchtet sie, klaut eine wertvolle Gucci-Tasche für Mama und will zu ihr. Doch wenn sie Zuhause auftaucht, gibt es wie immer Stress mit den Geschwistern. Der Freund der Mutter sperrt sie in einen dunklen Schrank, bevor die Polizei sie abholt und zur Inobhutnahme bringt. Alle Betreuende, die warmherzige Frau vom Jugendamt und andere engagierte Professionelle tun was sie können. Doch das unbändige Mädchen kann sich einfach nicht anpassen, kann ihre leidenschaftlichen Gefühle nicht kontrollieren. Vor Freude hüpft sie auf Tischen herum, vor Wut wirft sie mit Stühlen. Wer sie „Psycho“ heißt, wird verprügelt und gebissen. Von der professionellen Distanz der Betreuerinnen und Betreuer hält Benni gar nichts: Wenn sie sich geliebt fühlt, will sie bleiben. Weiterlesen

Zur Herbstausstellung in der Kunststation Kleinsassen/Rhön

Am Wochenende begann in der Kunststation die neue Schau dreier Kunstschaffender ohne ein gemeinsames Thema. Es sind eigentlich drei verschiedene Ausstellungen in einer, die dennoch hervorragend miteinander verbunden und überzeugend kuratiert sind.

„Dominium terrae“ („Unterwerfung der Erde“): Dieser, von Robert Kunec selbstgewählte biblische Titel seiner Installation, könnte allerdings das Herbstprogramm überschreiben, meint Kuratorin Dr. Elisabeth Heil in der Vernissage.

Mitten in der größten Halle der Kunststation hat Bildhauer Kunec zwei nackte Lehmfiguren platziert: Ein derber männlicher Neandertaler begegnet einem afrikanisch aussehenden weiblichen Homo Sapiens. An der Stirnseite der Halle befindet sich ein aufrecht gestelltes Doppelbett, das wie ein Flügelaltar oder ein kultisches Triptychon wirkt. Der Grundriss der Halle scheint eine Wohnung zu sein, in den verschiedenen, nur mit einigen Lehmziegeln angedeuteten Räumen, befinden sich mehr oder weniger rätselhafte Objekte: Eine angedeutete Feuerstelle. Gestapelte Wasserflaschen. Ein mit Stroh verkleideter Fernseher.

Obwohl sich die Bedeutung dieses recht kargen Arrangements nicht ohne weiteres erschließt, wird man stark emotional berührt und empfindet Gefühle, die man hinterfragen und zulassen sollte. Man fühlt sich wie in einer religiösen oder weltlichen Kultstätte, wie in einem Kirchenschiff oder im Lichthof eines Museums. Aber nichts gleite hier ins Banale oder Kitschige ab, sagt die Kuratorin, Künstler und Besucher könnten sich durchaus über Zeichen aus christlicher Tradition verständigen. Diese Installation gerate „nicht zu einem kirchlichen Glaubensmanifest“, stattdessen würden existentielle Fragen aufgeworfen.

Egal durch welchen der zwei Eingänge man diesen Ort erreicht, man muss an großstädtisch anmutenden Bildern vorbei, bis man sozusagen nach Hause kommt. Weiterlesen

„Once upon a time in Hollywood“ – einer von Tarantinos besten Filmen

Im Jahr 1969: Das Musikfestival Woodstock bewegt die Jugend Amerikas. Charles Mansons Family ermordet die Schauspielerin Sharon Tate. Der Film „Easy Rider“ bringt das Lebensgefühl dieser Zeit in die Kinos („Born to be wild“), offenbart aber auch die US-amerikanische Zerrissenheit. In dem Jahr spielt Quentin Tarantinos „Once upon a time in Hollywood“.

„Es war einmal…“, so begannen die alten Wildwestfilme im Kintopp und so beginnen auch die Märchen. Tarantinos Film spielt mit dem doppeldeutigen Titel: Es war einmal in Hollywood, als Fernseh-Serien die alte Traumfabrik bedrohten, aber New Hollywood mit „Easy Rider“ erfolgreich wurde. Zugleich erzählt der Regisseur ein Märchen und fragt, was wäre gewesen, wenn…?

In Beverly Hills wohnt der abgehalfterte Westernserien-Star Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) gleich neben Roman Polanski und Sharon Tate (Margot Robbie), er säuft und neigt zu Depressionen. Sein Freund und Stuntman Cliff Booth (Brad Pitt) ist auch der Chauffeur, weil er keinen Führerschein (mehr) hat. Da Rick immer nur die Schurken in TV-Westernserien gibt, quasi eingefroren in der Rolle des Bösen, leidet seine Karriere darunter: Jeder kennt ihn, aber niemand mag ihn, wer hat schon Halunken gerne?

Eines Tages bekommt Rick ein Angebot aus Rom, billige Italo-Western zu drehen und ist dort recht erfolgreich. Nach sechs Monaten kehrt er mit einer neuen italienischen Ehefrau und seinem Freund in die USA zurück. Cliff bringt eine Tramperin in ein altes verlassenes Farm-Studio und verprügelt dort einige Hippies aus der Manson-Kommune, die ihn mächtig provoziert hatten. „Ah, aus Hollywood ist der“, heißt es, als Cliff wieder verschwunden ist, „wir werden die töten, die uns das Töten gezeigt haben!“ Der hochspannende Rest der Geschichte wird meist nur noch wie eine Reportage aus dem Off kommentiert – und hier nicht verraten!

Mit viel Rockmusik – „California Dreaming“ oder „Baby, you’re out of time“ lässt Tarantino auf 35mm-Film authentisch die 1960er-Jahre wieder auferstehen. Lange hat der Streifen keine stringente Handlung und wirkt, typisch für den Regisseur, eher wie eine Collage aus assoziativen Bildern und Geschichten in Geschichten. Erzählt wird die Story auf zwei Ebenen: Weiterlesen

Im „Garten der irdischen Freuden“ in Berlin

In der Ausstellung „Garten der irdischen Freuden“ verwandeln 22 internationale Künstlerinnen und Künstler den Berliner Gropius Bau in eine außergewöhnliche Gartenkolonie. Doch beim Rundgang durch die individuellen Parzellen im Museum erlebt man kein fürstliches Gartenfest, sondern diverse künstlerische Auseinandersetzungen mit dem Motiv des Gartens, an dem Kunstschaffende seit Jahrhunderten arbeiten.

Bereits im großen Lichthof des Hauses bildet ein mit meterhohen Metallregalen abgetrennter Raum einen zivilisierten Garten: In die Fächer des Regals sind einst wilde Pflanzen ordentlich eingetopft, hier ist üppige Natur gezähmt und in Ordnung gebracht. Während der Eröffnungstage dringen aus dem Gewächshaus, in dem ein Musiker sitzt, laute dramatische Synthesizerklänge. Symbolisiert die verstörende Kakophonie unbändige Naturgewalten oder den raschen Klimawandel? Hört man die bedrohliche Unterströmung unter der dünnen Decke unserer Zivilisation? Mit solchen Fragen geht man auf den Parcours.

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Ein Saal mit drei riesenhaften Plastiktulpen ist vollständig mit großen verschiedenfarbigen Punkten auf strahlendweißer Oberfläche bemalt, sogar Fenster und Decke. Man darf nur mit übergroßen Filzpantoffeln durch diese Skulptur schlurfen, die man zunächst witzig und unterhaltsam findet. Doch je länger man darin verweilt, umso mehr spürt man Beklemmung in dieser künstlichen Pop-Art-Welt.

Im Dunklen liegt man auf dicken weichen Stoffschlangen und schaut den an die Decke projizierten Film. Fast ohne visuelle Grenzen verschmelzen in einem Paradiesgarten zwei nackte Evas mit Blumen, Pflanzen und Wasser. Die traumartigen Bilder gleiten sanft ineinander, wechseln ständig zwischen Nahaufnahmen und Blicken durch Kaleidoskope. Weiterlesen