Die Geschichte der vergessenen Dinge

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Zwischen Groteske und Zumutung: Udo Breitenbach in der Kunststation

Die dritte Winterausstellung in der Kunststation gestaltet Udo Breitenbach mit weiterbearbeiteten Fundstücken. Vor gut zwei Jahren gewann er mit einem seiner poetischsten Werke diese Einzelschau. Jetzt zeigt er „Sich selbst im anderen sehen“ noch einmal. Zwei identische Köpfe – einer ist weiß, der andere dunkelhäutig – betrachten sich in Spiegeln. Wenn man um das Objekt herumgeht, wird das weiße Antlitz dunkler oder das dunkle heller. 

In der damaligen Gemeinschaftsausstellung „Make Art AND Friends“ reagierten Kunstschaffende mit ihren Beiträgen auf die documenta 15 und deren unsägliche Forderung „Make Friends NOT Art“. Breitenbachs Werk schließt Freundschaften UND ist Kunst. 

Bereits im Eingang zur Schau wird die Bandbreite seiner Arbeiten deutlich: „Party ist over in Europe“ ist das kleine Überbleibsel eines Wohnwagens, der auf dem ganzen Kontinent herumfuhr. Dieses unbearbeitete Fundstück vom Sperrmüll symbolisiert für den Künstler den Zustand Europas. Das Gebilde daneben setzt Fundstücke als Assemblage zusammen: Der traurige Puppenkopf ist mit einer Weltkarte beklebt, in die ein Vogel piekt. Die Welt piept wohl nicht richtig, könnte man meinen. Aber die Bezeichnung des Objekts verweist ebenfalls auf den Titel der Ausstellung: „Noch zu retten?“ 

Gleich in Breitenbachs großer Halle liegt eine gefundene zerstörte Jesusfigur auf einem Eisenbett, eine Trauerschleife um seine kaputte Brust verkündet: „Unser Pazifismus / Ruhe in Frieden“. Im Hintergrund hängen feingerahmte Bundeswehrdecken mit der Inschrift: „Bundeseigentum“. Eine „Notunterkunft“ aus alten Landkarten, die früher in Schulen verwendet wurden, ist auf ein Zeltgestänge montiert. Ein Bett darin ermöglicht vielleicht von alten Zeiten zu träumen, als Deutschland noch größer war. Den Künstler erinnert seine Installation jedoch an Flucht und Vertreibung. 

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Wenn das Material verschwindet

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Parallel zu den zwei großen Winter-Ausstellungen zeigt der Künstler Albrecht Wild – unter dem Titel „Auf Einladung: Bierdeckel, eine Königin und Geishas“ – seine Arbeiten im Studio der Kunststation.

Beim Betreten des Raumes erwartet man „irgendetwas Japanisches“, denn mit einem verrätselten Geisha-Bild wirbt das Kunsthaus für die Schau des Frankfurters. Doch im Studio überwältigt einen sofort die „Kleinsassen-wall“ (Titel) mit 213 Objekten aus verfremdeten Bierdeckeln auf zwei Eckwänden. Hier präsentierte bereits die Fuldaer Künstlerin Anne Kalb vor einiger Zeit ihre bemalten Bierdeckel. Es überrascht immer wieder, wenn profane Alltagsdinge wie diese Pappuntersetzer – respektlos gegenüber der „großen Kunst“ – zu künstlerischen Objekten transformiert werden. 

Zunächst erkennt man jedoch kaum Bierdeckel, sondern die vielen Objekte erzeugen insgesamt ein Muster oder Geflecht. Die schiere Menge verschiebt die Wahrnehmung vom einzelnen Gebilde auf das serielle Prinzip. Doch immer wieder schweift der Blick von der Gesamtkomposition ab zu ihren einzelnen Bestandteilen – jeweils einige gleiche Untersetzer wurden durch Schnitte, Anordnungen und Verschiebungen spielerisch neu zusammengesetzt. Mal verfremden sie die erkennbaren Ausgangsbilder, mal verschwindet die ursprüngliche Wirkung. Meist sind die Logos und Motive kaum noch erkennbar.

Wild spielt, experimentiert, verblüfft mit seinem Material, den bedruckten Untersetzern – aber nicht beliebig oder zufällig. Stattdessen entwirft er die Umgestaltungen vorab durch Skizzen und präzise Zeichnungen, die bereits selber Kunstwerke sein könnten – jedoch weder gezeigt noch verkauft werden. Bei Fuldaer Hochstift-Deckeln kann er sich ruhig mal verschnippeln, aber der Schneidekünstler sucht auch weltweit nach herausfordernden, eher seltenen Motiven. 

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Nähe aus Distanz – Vielfalt mit Haltung

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Kurz vor dem Jahresende begannen in der Kunststation die beiden umfangreichen Winterausstellungen. In einer präsentieren 21 Mitglieder der „Frankfurter Künstlergesellschaft“ ihre Arbeiten unter dem Titel „Nähe aus Distanz“.

Nach dem Eintritt begegnet man der überlebensgroßen weiblichen Skulptur „Hurdy Gurdy“. Übersetzt heißt der englische Titel „Drehleier“ – im übertragenen Sinn steht sie also für Bewegung und Dynamik. Das Reisigbündel in ihren Händen verweist auf Hurdy-Gurdy-Girls: arme junge Frauen, die im 19. Jahrhundert aus dem Hessischen in die USA auswanderten und dort hart arbeiten mussten. 

Diese Figur ist jedoch kein Opfer. Breitbeinig, standfest und selbstbewusst steht sie auf einem kleinen Rollwagen und suggeriert Kraft und Eigenständigkeit. Als Auftakt verweist sie auf ein Motiv, das sich in der Ausstellung mehrfach findet: selbstbestimmte, starke feminine Figuren. 


Eigenartige weibliche Holzwesen, eine heißt „Grazie“, zeigen sich nur leicht bekleidet oder nackt aufeinander stehend. Die teils bemalten Skulpturen aus Linden- oder Ahornholz sind ineinander verdreht und verschlungen, manche Körperteile sogar nach innen gewölbt. Als Installation irritiert diese Frauengruppe, doch durch ihre Gestaltung – als Konkav-Tiefenreliefs – wird immense Lebensfreude und Bewegung spürbar.

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Bilder wie Musik – Helmut Gutbrod in der Kunststation

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Die dritte Herbstausstellung in der Kunststation ist dem bildenden Künstler und Musiker Helmut Gutbrod gewidmet. Es ist zwar seine Einzelschau malerischer und grafischer Werke, dennoch sind sie – unter dem Titel „Natur / Struktur“ – gemeinsam mit poetischen Skulpturen und Wandcollagen von Hannelore Weitbrecht zu sehen. In zwei Hallen werden die unterschiedlichen Werke konfrontiert, weil beide Kunstschaffende Bildwelten zur Natur formen, die in einen spannungsvollen Dialog treten. 

Jedoch erschafft die Bildhauerin ihre eigenen natürlichen Formen (wir berichteten), auch Gutbrod arbeitet im weitesten Sinne nach der Natur. Ebenfalls kreiert er keine Nachahmungen, sondern versucht die Klarheit und Kraft elementarer Formen und Strukturen einzufangen. Seine Gemälde und Drucke zeigen scheinbar Kombinationen eigenartiger Landschaften und merkwürdiger Figuren. Aber bei genauem Hinsehen entpuppen sie sich als reine Arrangements aus farbigen Flecken, verdichteten Punkten, unterschiedlichen Linien und geometrischen Gebilden.

Monika Ebertowski, Leiterin des Hauses, meint, er spiele mit Tonalitäten, Sättigungsgraden, Farbschichten und eröffne verblüffende Bezugsfelder aus strukturierten und freien Flächen: „So schafft er unterschiedliche Effekte und Temperamente, die in mir musikalische Assoziationen wecken.“ 

Diese, oft aus verschieden gestalteten Leinwänden zusammengefügten „Gemälde“, erzählen nichts, sie sind weder Abbilder noch Botschaften, sondern autonome ästhetische Gestaltungen. Schließlich ist der Künstler ebenso Musiker – und man kann seine Bildkompositionen wie Klänge wahrnehmen. Sich von ihnen verzaubern oder verstören lassen. Vor ihnen meditieren.

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Wenn Papier zu atmen beginnt – Hannelore Weitbrecht in der Kunststation

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In der zweiten der drei aktuellen Herbstausstellungen in der Kunststation Kleinsassen/Rhön präsentiert Hannelore Weitbrecht ihre sinnlichen Objekte. Staunend betrachtet man feine Gebilde aus Pergament, Draht und Naturfunden, die wie eigenartige Traumwesen wirken oder bizarre Gestalten aus erdachten Landschaften. Pustet man einige an, scheinen sie sogar zu atmen. 

Die Arbeiten verwirren die Sinne – man fragt sich, ist das nun Kunst oder Natur? Aber die Künstlerin fertigt keine Nachbildungen der Pflanzenwelt, sondern erschafft sich ihren eigenen Kosmos. Sie greift Wachstumsprozesse auf – daher heißen und zeigen ihre kleinen zarten Skulpturen „Wachsen“, „Aufbruch“ oder „Aufzucht“.

Über diese und ähnliche kleinformatigen Werke hinaus entfaltet ihr Oeuvre in der Kunststation eine bemerkenswerte Vielfalt. In einer Halle errichtete sie einen größeren Garten: Papierobjekte und Zweige formen eine Wand aus „Blüten“, am Boden liegen „Blätterwirbel“ oder wachsen „Blütenstämme“, so die Titel. Die „Keime“ bilden eine zentrale Installation aus knolligen Körpern. Sie verdichten sich zur Mitte, daraus wachsen unterschiedlich hohe Triebe. Auch sie entstehen aus denselben Materialien und Techniken.

In einer anderen Halle wirken ihre sechs großen Doppelschalen und acht Gartengeräte wie schwere Holzobjekte. Doch allesamt sind diese Plastiken – insgesamt tituliert als „Ernte“ – ebenfalls leichte Skulpturen aus Papier, Draht und Farbe. Papier ist der Grundstoff fast aller ihrer Werke, gefaltet, verknittert, geknüllt wird es zum erstaunlichen Rohstoff. Die Künstlerin verwandle Papier in Seherlebnisse, so ein Kollege.

Besonders in ihren 16 „Kleingärten“ integriert die Künstlerin neben dem Papier eine Vielzahl von echten Naturmaterialien – Samenschoten, Kerne, Zweige – zu ästhetischen Verschmelzungen. In dieser Gartenkolonie aus kleineren, jeweils gleichgroßen Bildkästen verknüpft sie das Natürliche und das Kulturelle auf faszinierende Weise. 

Einer der Höhepunkte ihrer Ausstellung ist die eigenartige Wand „Pflanzenversuchsfeld“.

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Die Wunderkammern der Sasha Waltz (2)

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Chronologie

Nach dem poetischen Auftakt (Teil 1) wechselt das Buch die Perspektive – und wird zur präzisen Chronik des Ensembles. Noch einmal 100 Seiten widmen die Herausgeber im zweiten Teil des Buches einer Chronologie, die sämtliche Projekte von Sasha Waltz ab 1993 akribisch Jahr für Jahr auflistet.

Im Jahr 2000 – man darf schon sagen: – knallte sie mit ihrer Choreografie „Körper“ in die westdeutsche Tanztheaterszene. Sie gehörte nicht zu den Pionierinnen um Pina Bausch, Susanne Linke oder Reinhild Hoffmann, dazu war sie noch zu jung. Das Wuppertaler Tanztheater wurde 1973 von Pina Bausch übernommen, Waltz gründete 1993 mit Sandig ihr Ensemble im nicht gerade tanzaffinen Berlin. Hier entwickelte sie ihre ersten „Dialoge“ mit Musik und Bildender Kunst, fand später eine feste Spielstätte in den Sophiensälen.

Ums Millennium herum eroberte sie, nach ihrer Berufung an das legendäre Berliner Theater „Schaubühne“, mit ihrem Stück „Körper“ die Bundesrepublik. Obwohl sie bereits vorher dort und international präsent war, kam mit dieser Arbeit der endgültige Durchbruch. Und sie entwickelte ihre Kunst mutig weiter und ging weit über die Grenzen des Tanztheaters hinaus: bei der Eroberung großer Museen wie des Jüdischen Museums Berlin, des MAXXI in Rom oder der Hamburger Elbphilharmonie – sowie durch die Inszenierung von Opern und Oratorien wie „Dido & Aeneas“ oder der „Johannes-Passion“, die sie als Gesamtkunstwerke von Musik, Bewegung und Raum verstand.

Im „Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe“ (ZKM) präsentierte sie 2005 mit ihrer viermonatigen Ausstellung sowie zahlreichen Choreografien und Performances eine Zwischenbilanz ihrer Arbeit. Ganz nebenbei engagierte sie sich auch gesellschaftlich, gründete ein tänzerisches Kinderensemble und ließ geflüchtete Menschen auf die Bühne.

Bereits mit ihren frühen „Dialogen“ – jenen freien Begegnungen von Tänzerinnen, Musikerinnen und Architekturen im Berlin der 1990er-Jahre – legte Sasha Waltz den Grundstein für das, was ihr Werk prägt: den offenen Dialog der Künste im Raum. Deren gelegentliche Nummerierung führt sie bis heute fort („Dialoge 2020 Tegelsee“).

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Die Wunderkammern der Sasha Waltz (1)

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In dem vor kurzem erschienen Buch „Sasha Waltz & Guests“ nehmen uns die Herausgeber – Sasha Waltz selbst und Lebensgefährte Jochen Sandig – mit auf einen „assoziativen Weg durch die Geschichte“ ihrer Compagnie: „Wir sind Traumtänzer in dieser ver-rückten Welt. Oder doch eher Seiltänzer? Ohne Netz. Unser Netz ist die Kunst.“ Doch sie spüren langsam das Alter auf sich zukommen, die Endlichkeit, da sei es an der Zeit, einen umfassenden Rückblick zu wagen. Damit wollen sie „das Papier zum Tanzen bringen.“ 

Das gelingt ihnen überzeugend! 
Denn den wenigen großen Schriften über das Ensemble fügen sie keine aktuellen Analysen der letzten Choreografien oder weitere Lobeshymnen der Kritik hinzu. Stattdessen entwickeln sie mit dem Gestalter Daniel Wissmann – sehr überraschend – gleich zu Beginn des Buches auf 200 Seiten poetische Collagen, die sie etwas trocken „Codes“ nennen: Jeweils mit Proben- und Aufführungsfotos, Arbeitsskizzen, kunstgeschichtlichen Bildern und knappen Texten umreißen sie insgesamt 65 szenische Gebilde aus dem Oeuvre von Sasha Waltz.

Es beginnt zurückhaltend, mit unspektakulären Bildern zum Code „Anfang“, in dem Waltz bekennt: „Wenn man ein Stück anfängt, ist das, als ob man von einem Riesenfelsen hinunterspringt…“ Doch dann wird es üppiger bei „Animal“: Fotos animalischer Tanz-Figuren aus unterschiedlichen Arbeiten. Eine Tier-Mensch-Malerei der Choreografin. Hieronymus Boschs „Garten der Lüste“. Das stachelige Wesen aus dem Werk „Kreatur“. Wunderbar ist auch die umfangreiche Kreation „Kreis“, die durch eindringliche Bilder aus „Sacre“, „Women“ und „Medea“, lebendig wird. „Der Kreis ist eine magische Gestalt. Er markiert einen Ort, an dem sich ein Zauber vollzieht, ein Ritual, eine kultische Handlung.“

Zarte Gebilde wie „Blumen“ oder „Ei“ fügen sich zu kleinen Codes, im Gegensatz zu „Schlangen“ oder „Linien“, in denen sich liegende, ausgestreckte Tänzerinnen und Tänzer festhalten und durch gigantische leere Museumsräume winden. Weitere, einander ähnliche Collagen, etwa „Flüssigkeit“ und „Wasser“, werden dargestellt. Auf einer Doppelseite Fotos der Oper „Dido & Aeneas“ – von tauchenden Tanzenden in riesigen Aquarien. Auf einem Foto trinkt die Tänzerin einen Schluck aus einer Pfandflasche. Spektakuläres und Banales…

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„My Secret Garden“ – Kata Graál in der Kunststation

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Vor einiger Zeit begannen in der Kleinsassener Kunststation die drei diesjährigen großen Herbstausstellungen. Unter dem selbst gewählten Titel „My Secret Garden“ bespielt die ungarische Künstlerin Kata Gaál in ihrer Schau einen Saal mit großformatigen Material- und Collagebildern. 

Manchmal steht ihre Welt buchstäblich auf dem Kopf. Dunkle heruntergekommene Industriekomplexe. Graue unwirtliche Stadtlandschaften. Düstere Mauern mit Graffiti. Gegen diese urbane Tristesse setzt die Künstlerin kräftige, unwirkliche Farben – und sich selbst. Denn die häufig auftauchende blonde Frau auf vielen Werken könnte sie selbst sein. Doch die etwa Vierzigjährige kreiert keine narzisstischen Selbstdarstellungen, sondern ihre einsamen oder lebhaften Aktionen vermitteln Bewegung – am Abgrund gegen den Verfall. 

Unverdrossen arbeitet Gaál hier an ihrer eigenen Welt, in „meinem geheimen Garten“, den sie auf den Objekten immer wieder der rauen Realität abtrotzt. „Der Welt kann man nicht entfliehen, aber im Rückzugsort des ‚Secret Garden‘ kann man mit Distanz klarer sehen, nachsinnen und individuelle Lösungen finden“, so Kuratorin Dr. Elisabeth Heil bei der Eröffnung.

Gaáls fast dreidimensionalen Bilder bestehen aus übereinander und nebeneinander geschichteten Stoffstücken, Textilien, gerissenen Papieren, Fotoresten und Zeichnungen auf Sperrholz. Ihre collagierten Welten muten durchaus realistisch an, doch gebrochen wird dieser Realismus oft durch gestalterische Details: Körperteile fallen aus dem Rahmen. Oder Kleider der dargestellten Frauen sind mit zahlreichen Stecknadeln gespickt. Dadurch entstehen eigenartige Linien in den Objekten und deren – mögliche! – ästhetische Gefälligkeit wird „durchstochen“.

Mit ihren gesellschaftskritischen Themen bewegt sich Gaál auf riskantem künstlerischem Terrain. Denn ihre Aussagen könnten allzu vordergründig und eindeutig werden. Ihre Bilder jedoch zeigen Spannung und Zerrissenheit, schaffen Irritationen, werfen Fragen auf – geben aber keine Antworten.

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Ein Rundgang durch die Ausstellung „Die Welt ist schön?!“

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In der Kunststation Kleinsassen / Rhön ist derzeit die Ausstellung „Die Welt ist schön?!“ zu sehen. 52 Kunstschaffende widmeten sich dieser Frage mit unterschiedlichen Reaktionen und diversen künstlerischen Techniken. 

Bereits der Aufgang zu den Galerieräumen überrascht durch viele gelbe, unregelmäßig angeordnete Klebestreifen. Es ist eine Komposition, die im Dunkeln mit Schwarzlicht leuchtet, doch auch tagsüber irritiert sie die Wahrnehmung der Besucher und stimmt sie auf die Schau ein – siehe Foto oben. Denn etliche der ausgestellten Beiträge sind nicht eindeutig, sie provozieren eigene Assoziationen und entführen in neue Wirklichkeiten.

Beim Rundgang durch die Ausstellung ist die Wirkung einiger großformatiger Bilder überraschend. Größe ist zwar kein Wert an sich, doch manchmal treten einem die Werke quasi auf Augenhöhe gegenüber oder laden zum Eintauchen ein. Etwa in die riesige Ölmalerei „Sickernde Sonnenstrahlen“, in eine Landschaft, die durch das Licht eher abstrakt wirkt.

Spektakuläre, raumgreifende Installationen bilden Schwerpunkte in den Sälen – etwa das papierene Objekt „An manchen Tagen“. Düstere Wolken hängen in der Luft. Ein Stein scheint zu fallen. Durch den Raum treibt ein Wesen. Alles aus Papier mit schwarzem Graphit – man braucht Zeit, um in das Environment einzutauchen. Allmählich lässt sich nachempfinden, wie es der Künstlerin „an manchen Tagen“ geht… auch in einer schönen Welt. Am anderen Ende der Halle die eigenwillige Anordnung zweier größerer Linolschnitte mit uneindeutigen Darstellungen, die sich nur assoziativ erschließen. 

Wer länger verweilt oder wiederkehrt – kann fast übersehene, filigrane Arbeiten entdecken und berührt werden. Dazu gehören kleine, fotografisch und filmisch festgehaltene „Stillleben mit Seifenblasen“ oder „Perlen des Wassers“: Fläschchen mit Miniatur-Videos, in denen kurze Träume aufscheinen. Auch die Serie „Nester“ verzaubert – mit Objekten wie „Luxuriöses Nest“ oder „Kitschiges Nest“. Am Ende das harte, makabre „Asylnest“ aus Stacheldraht.

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Ein Rundgang durch die Gasometer – Buntes im Kessel

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In zwei „Kesseln Buntes“ und einem Teil der Galerie zeigt der Kunstverein Fulda „Präsenz“ (Ausstellungstitel) im Museum Modern Art in Hünfeld/Ost-Hessen. 25 Kunstschaffende wurden in das alte Gaswerk eingeladen, die bei den Aufgaben des Vereins besonders engagiert waren. 

Eine Plane mit der Frau, die mit der Stirnlampe nach Kunst sucht, markiert den Eingang zwischen den Kesseln. Bereits im ersten Tank begegnet man einem gigantischen Wal im blaugefärbten Ozean, gemalt mit Ölpastell und Acryl auf Leinwand. Darunter – quasi auf dem Meeresgrund – lagern skurrile Wesen, rote oder oxidierte Stahlskulpturen, die mit den verrosteten Wänden korrespondieren. Sowohl deren Patina, als auch das Blau des Meeres setzt sich in den links angrenzenden dunklen Gemälden fort. 

Deren mythologische Motive – etwa „Die Göttin“ oder „Eruption“ – regen die Fantasien an. Dazwischen ein Mobile aus Kupferplatten, die sich in die Anmutung der Figuren und Rostwände einklingen. Es steht für Gleichgewicht und Leichtigkeit, mildert die etwas dunkle Wirkung der Ecke. Rechts von der „Begegnung mit dem Wal“ zwei Bilder wie Bullaugen. Man schaut hinaus aufs Wasser. Weitere ozeanische Blicke folgen bis zu dem Mann, der in seinem Werk eine Wand wasserblau streicht. Nun weiß er: „Beinahe am Meer zu sein“. Begrenzt wird das Wasser zu den folgenden Landschaften mit drei weißen Stelen.

Auffällig ist die hervorragende und ungewöhnliche Kuratierung – viele Beiträge beziehen sich aufeinander und den umgebenden Raum. In den Kesseln bricht diese Ausstellung konsequent das White-Cube-Konzept. Sie hebt die Kunstwerke nicht aus dem Alltag, lässt sie nicht autonom erscheinen oder für sich sprechen.

Noch stärker, geradezu als körperlich erfahrbares Eintauchen (Immersion) ist das im zweiten Behälter spürbar: Das Environment wird zum Erlebnisraum jenseits des White Cube. Von der Decke hängen zahlreiche „Himmel / Hirngespinster“, kleine textile und metallische Dinge, die den Blick auf eine sinnliche Serie von sechs großen schwarzweißen Akten oder kühne Objekte aus Bauschutt mit Gips („Mutter und Kind“) beeinflussen.

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