Wenn Sie etwas erleben wollen, müssen Sie sich bewegen“

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Hanswerner Kruse im Gespräch mit Antonio Marra

Der italienische Maler Antonio Marra lebt und arbeitet seit vielen Jahren in Offenbach. Ich treffe ihn beim Aufbau seiner Ausstellung „Die Wahrheit gibt es nicht“, die am Sonntag 27. September im Museum Modern Art Hünfeld eröffnet wurde.

Ohne lange Vorrede fordert er mich auf, um einen Tisch mit schwarz-weiß bemalter Oberfläche herumzugehen. Beim Weitergehen verwandeln sich die schwarzen Formen langsam in farbige Muster, die auf der gegenüberliegenden Seite schließlich kräftiger und leuchtender wirken, danach wieder zarter werden. Was der Titel „Die Wahrheit gibt es nicht“ meint, konnte ich beim Herumgehen unmittelbar erleben. 

Ihre Ausstellung heißt „Die Wahrheit gibt es nicht“. Bezieht sich das nur auf Ihre Kunst?

Nein. Das ist meine Weltanschauung. Kunst kann man nicht so abtrennen: Da oben ist die Kunst, hier ist das Leben. Wenn ich das Bild von einer Seite anschaue, sehe ich Schwarz-Weiß. Und das ist wahr. Aber wenn ich mich versetze, sehe ich Farbe. Das ist auch wahr. Wer lügt jetzt – vorher oder jetzt? Das ist Teil des Lebens. 

Wie viel von einem Werk existiert bereits in ihrem Kopf, bevor Sie anfangen zu malen?

Sehr viel. Manche Bilder sind monatelang in meinem Kopf. Die unterschiedlichen Ansichten sehe ich im Voraus. Das ist, was ich sehe. Deswegen male ich das. Aber ich fiebere darauf hin: Wie wird es aussehen, wenn beide Seiten zusammenkommen? Durch meine Erfahrung weiß ich das vielleicht zu 90 Prozent. Aber die Wahrheit kommt erst, wenn beide Seiten fertig sind. Diese Spannung, diese Vibration, diese Emotion gibt mir die Kraft weiterzumachen.

Und dann trägt ein Bild plötzlich den Titel „Mit Koks in der Unterhose erwischt“. Wie kommen Sie darauf?

Die meisten Leute suchen den Titel im Bild und fragen: „Wo ist das Koks?“ Aber der Titel hat mit der Darstellung des Bildes nichts zu tun. Er hat mit dem Bild zu tun. Während ich daran arbeite, erlebe ich etwas, etwas packt mich, ich begegne jemandem. Als dieses Bild entstand, war ich in Berlin. Dort wurde ein Taxifahrer erwischt, der Koks transportierte. Das gehörte in diesem Moment zu meiner Lebensrealität.

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Wo Bilder und Bronzeskulpturen sich begegnen

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In diesem Jahr feiert die Galerie Liebau ihr dreißigjähriges Bestehen. Bereits im Frühjahr zeigte das Kunsthaus die Ausstellung „Schätze der Galerie“ mit Arbeiten aus den drei Jahrzehnten. Vor kurzem begann die „Jubiläumsausstellung“ mit vier hochrangigen Künstlern.

Betritt man die Galerieräume, wird man sofort von einem riesigen Bild des hyperrealistischen Malers Yongtak Choi im Zentrum angezogen. Nahezu lebensgroß sieht man den Oberkörper einer grellbunt bekleideten Frau im Wasser liegen. Sie schaut entspannt in die Welt. Man weiß nicht: Ist sie unter Wasser oder liegt sie am Ufer? Über ihr schwirrt ein Vogel, doch neben ihr schwimmt ein Fisch. Unwillkürlich wird man an J.E. Millais‘ „Ophelia“ erinnert, doch dieses Bild „About the wind“ mutet an wie ein surreales Gegenbild zum historischen Gemälde. Bei Millais versinkt die Frau – bei Choi kippt die Welt um sie herum.

Daneben eine Bronzeskulptur von Michael Jastram, entstanden im Wachsausschmelzverfahren. Auf einem schmalen Boot – merkwürdigerweise auf Rädern – sitzt ein Reiter auf einem Pferd und begegnet einem großen scheibenförmigen Objekt. „Encounter“ heißt dieses ebenfalls surreale Zusammentreffen. Fast überall treffen bronzene Skulpturen des Bildhauers auf malerische Werke. Viele seiner Figuren treiben einsam wirkend auf Wasserwegen, im Unterschied zu früheren Arbeiten mit Menschen auf Karren oder Wagen.

Schon am Eingang kommt man an einem seiner feingliedrigen Barken vorbei, darauf ein stehendes Mädchen mit einem schmalen Ruder. Die Bronzeskulptur scheint auf die eigentlich abstrakte blaue Komposition von Günter Liebau zu gleiten Foto oben). Durch die farbigen Linien erscheint das Bild wie ein Meer mit Wolken. Aber durch einen brutalen roten Streifen sind Gewässer und Himmel getrennt. Es ist beileibe keine Landschaft. Gleich danach treibt noch ein weiteres Boot mit einem einsamen Wesen auf eine scheinbare blau-grüne Landschaft zu. So beeinflusst die Zusammenstellung der Werke unsere Fantasien und Assoziationen. 

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Wenn Wunden Formen werden

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Vor einiger Zeit wurden in der Kunststation Kleinsassen/Rhön drei große Herbstausstellungen sowie die Studioausstellung mit kürzerer Laufzeit eröffnet. Wir beginnen die Besprechungen mit den Arbeiten der Künstlerin Reinhild Gerum und dem Hinweis auf die Artothek im Studio.

In der Halle von Gerum fallen zunächst die gleichgroßen, fast einfarbigen Bilder „Standortbestimmung“ auf (Foto). In diesem Zyklus zeigt sie – wenn man so will – landschaftsartige Kompositionen. Aus dicken Schichten von Ölpastell auf rotem oder grünem Grund kratzte sie Furchen heraus und legte so die leicht andersfarbige Schicht darunter wieder frei. Die Werke haben dadurch etwas Verletztes, zugleich aber auch Strukturiertes. Auf einem Bild wirken die Einkerbungen wie eine Wunde. Möglicherweise transformieren sie persönliche Erfahrungen der Gestalterin, vielleicht verweisen sie aber auch auf unbestimmte Orte. Denn zugleich lassen Auskratzungen und Risse Horizonte, Ufer, Himmel und Erde entstehen. Dadurch wird die Anmutung als Landschaft verstärkt. Und aus einer grünen Arbeit scheint sogar helles Licht auf. 

Gerum macht keinen Hehl daraus, dass ihre Kunst durch individuell erlebtes Leid oder unmittelbare Betroffenheit von dramatischen Ereignissen wie dem Terroranschlag vom 11. September beeinflusst ist. „Geschichten des Lebens“ heißt ihre Kleinsassener Ausstellung, in der sie drei Werkgruppen präsentiert. Doch ihre Erzählungen sind kein Wundenlecken, ihre Werke kein therapeutisches Diagnosematerial. Denn sie hebt ihre Welt- und Lebenserfahrungen dialektisch auf. Ihre möglichen Wunden verschwinden nicht. Durch die Form werden sie in allgemeine Erfahrungen verwandelt – und zugleich bewahrt. Das kann uns berühren, auch wenn wir ihre Geschichten nicht kennen.

In der zweiten Gruppe „Zentriert“ hat Gerum unterschiedlich farbige, quadratische Bilder zu jeweils neunteiligen Gruppen zusammengestellt. Konzentrische, weich ineinander übergehende Quadrate lenken den Blick auf den Kern, wo sich die Farbe verdichtet. Mal scheint das Zentrum von innen zu leuchten, mal schafft es einen dunklen oder kühlen Gegenpol zu den umgebenden Farben. Während sich die „Standortbestimmungen“ durch die Horizontalen nach außen öffnen, strömt hier alles auf einen Mittelpunkt zu. Beim Betrachten stellt sich eigentümliche Ruhe und Sammlung ein.

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40 Jahre Performance-Gruppe „Prompte Rührung“

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Herzliche Einladung zur Eröffnung der Ausstellung 40 JAHRE „PROMPTE RÜHRUNG“ (Projektraum) am 24. Mai 2026 um 14 Uhr

Hannah Wölfel & Hanswerner Kruse laden ein: Im Juni vor 40 Jahren bauten wir auf dem Frankfurter Römerberg ein komplettes Wohnzimmer auf. Zu den Klängen von Terry Rileys „In C“ schlammten wir es akribisch mit flüssigem Ton ein. Anschließend bestrichen wir einander damit. Durch diese öffentliche Aktion wollten wir auf den Sommermarkt des BBK Frankfurt aufmerksam machen. Als Keramiker wählten wir den Tonschlamm für unsere Begegnung. Wir wussten: Ton kann plastisch zum Gestalten sein, er kann aber auch hart werden und Risse bekommen. Das wollten wir in unserer romantischen Beziehung vermeiden.

Später begriffen wir: Dadurch erschlossen wir uns die Grundlagen von Performance Art, traten nicht mehr hinter unsere Arbeiten zurück, sondern wurden selbst zum Kunstwerk. Unsere Körper wurden dafür entscheidend, der Prozess wichtiger als das Ergebnis. Bald wiederholten oder variierten wir solche und andere Aktionen bei kulturellen Ereignissen. Neben besonderen Orten und ungewöhnlichen Gegenständen wurde in den Performances auch unsere eigene Beziehung zum Material – so transformierten wir das Private in etwas Allgemeines. Beispielsweise machten wir mit 200 Mausefallen sichtbar, in welche Fallen man geraten kann: tappen, einschnappen, locken.

Im Projektraum werden wir unsere vierzigjährige Geschichte der Performance Art noch einmal sinnlich nachvollziehbar machen – mit Gesprächen, Bildern, Videos und Performancespuren. Auch zeigen wir, welche Aktionen wir im Kunstverein realisiert haben: bei „Chaos“ oder „Fragile“, mit Videoprojektionen oder mit unseren Kunstschafen.

Kunstverein Fulda e. V. Habsburgergasse 2, 36037 Fulda
Öffnungszeiten: Do. bis So. 15-18 Uhr Ausstellungsdauer 24. Mai bis 19. Juli 2026

Kontakt
https://www.kunstverein-fulda.de

Zwischen Stühlen, Schmetterlingsdefekten und anderen Rätseln

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Derzeit werden wir im Studio der Kunststation Kleinsassen mit Zeichnungen und Collagen von Isolde Nagel konfrontiert. Leicht sarkastisch und abstrahiert verdichtet sie in ihren Grafiken menschliche Erfahrungen – denn „Leben ist ständig“. So heißt der Titel ihrer Ausstellung.

Ineinander verknotete Beine und Arme. Dazwischen Stuhlteile. Kein Hintergrund. Umarmt sich ein Paar zwischen Stühlen? Zwei dieser ähnlichen Federzeichnungen heißen „Zwischen Stühlen“. 

Ein Bilderquartett, ebenfalls gestaltet mit Federzeichnungen sowie Farbstiften, wird „Deutungshoheiten“ genannt. Abermals Menschen auf schräg stehenden Stühlen. Sie schieben einander weg. Wer hat recht? Oder ineinander verschobene Gesichter. Große Nasen und Augen, grabschende Armen. Wer bestimmt hier naseweis das Geschehen? Thematisieren die Grafiken vielleicht – auf der Metaebene – sogar die Deutungshoheit in der Kunst: Wer bestimmt was Kunst ist – gute Kunst?

Zwei eher düstere „Burgfrieden“ mit vielen geballten Fäusten und abwehrenden Gesten, rahmen links und rechts ein Paar farbenfroher Blätter ein. Sie nehmen gleichsam die sinnliche „Festung der Träume“ und die fröhlichen „Gedanken für saure Zeiten“ in ihre mürrische Zange. 

Es sind keine realistischen Arbeiten mit eindeutigen Aussagen, welche die Hanauer Künstlerin kreiert. Es braucht etwas Zeit, um den Zusammenhang von Nagels Titeln, die häufig alltägliche Redewendungen sind, mit den Bildfragmenten herzustellen. Oder umgekehrt kann man lange die Versatzstücke betrachten, erkennen, was hier zusammengestellt wurde. Die Titel legen dann nachträglich Spuren zum Assoziieren. Auch die Redewendungen sind metaphorisch, ebenso unbestimmt wie ihre Werke.

Wer kennt es nicht, sich plötzlich hilflos „Zwischen Stühlen“ zu befinden oder in kritischen Momenten zähneknirschend einen vorübergehenden „Burgfrieden“ schließen zu müssen? Obwohl aus dem alltäglichen Leben genommen, könnten die Bilder auch politisch interpretiert werden. Man sollte das nicht überstrapazieren, aber selbst die scheinbar persönlichen Szenen tragen eine gesellschaftliche Dimension in sich. Die künstlerischen Grenzen werden fließend…

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Wenn ruhige Figuren und feine Zeichnungen einander begegnen“

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Drei neue Frühjahrsausstellungen sind soeben in der Kunststation eröffnet worden, dazu die kleine Studioschau. Eine der großen Präsentationen trägt den Titel „Erfüllte Stille“ und vereint Skulpturen von Annette Meincke-Nagy mit Zeichnungen von Christiane Schlosser.

Gleich zu Beginn begegnen uns übergroße Köpfe der Bildhauerin auf hohen Sockeln, später auch lebensgroße Frauenbüsten. Alle Gesichter wirken entspannt, mal in sich gekehrt, mal herausfordernd – aber immer ohne dramatischen Ausdruck. Auch viele in der Ausstellung verteilte, vollständig modellierte Figuren sitzen meist recht zurückhaltend auf Sockeln zusammen und ruhen in sich. Sie sind leicht verkleinert modelliert, Körper und Antlitze vermitteln dieselbe Haltung. Manche sind leicht einander zugewandt, andere wirken völlig versunken und scheinen sich selbst zu genügen. Alle halten inne und sind still…

Diese Geschöpfe sind keine Porträts wirklicher Personen, individuelle Züge sind bewusst reduziert, auch wenn Meincke-Nagy Vorbilder aus Kunstgeschichte oder ihrer eigenen Fantasie aufgreift. Aufträge übernimmt sie nicht. Ihre Plastiken verkörpern letztlich Menschen mit archetypischem Ausdruck.

Die Skulpturen wachsen auf einem Drahtgerüst. Langsam werden sie Schicht für Schicht aus einer Papier- und Leimmasse modelliert, der Quarzsand und Pigmente beigemischt sind. So entstehen die leicht körnigen Oberflächen und die zurückhaltend gefassten Farben. Oft weiß die Künstlerin noch gar nicht, was bei ihrer Gestaltung herauskommt. Viele Figuren verselbstständigen sich, treten ihr gewissermaßen gegenüber. In ihrer Wohnung und im Atelier tauchen sie später sogar als „Mitbewohner“ auf, wie sie erzählt.

Ein deutlicher Gegensatz zu ihren dreidimensionalen Wesen sind die feinen Zeichnungen auf ungerahmten Blättern an den Wänden. Von weitem sind diese Grafiken von Christiane Schlosser kaum zu erkennen. Sie zwingen – oder erlauben – uns ganz nah an sie heranzutreten. Dann erfasst man fein getuschte Schlangenlinien oder zarte Reihen aus Punkten, Strichen und Häkchen in enger Folge – die gelegentlich gewandelt oder unterbrochen werden. Wir können sie Zeile für Zeile lesen, von links oben nach rechts unten, und nachspüren, wo die Künstlerin Entscheidungen für Variationen treffen wollte. Überraschenderweise drängten sich viele Leute in der Vernissage lange vor den Blättern und folgten aufmerksam den feinen Notationen.

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Berlinale 2026: Tricia Tuttle geht? Tricia Tuttle bleibt!

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Nachschiebsel zur 76. Berlinale vom 12. – 22. Februar 2026

„Wir werden uns an jeden erinnern, der an unserer Seite stand, und wir werden uns an jeden erinnern, der gegen uns war.“ Mit dieser Drohung nahm der syrisch-palästinensische Regisseur Abdallah Alkhatib, der als Flüchtling in Deutschland lebt, seine Auszeichnung auf der Berlinale 2026 entgegen. Der Preis ist mit 50.000 Euro für das beste Erstlingswerk dotiert. Vorher ließ sich Tricia Tuttle, die Intendantin der Festspiele, gemeinsam mit ihm und seinem Team lachend vor einer Palästina-Flagge fotografieren.

Auf der Bühne hatte der Filmemacher später Israel bezichtigt in Gaza „Völkermord“ zu begehen – ein derzeit international stark umstrittener Vorwurf. Bereits in sämtlichen Pressekonferenzen zu den Wettbewerbsfilmen hatten pro-palästinensische Aktivisten, die wahrscheinlich als Blogger eine Akkreditierung erhielten, die Filmschaffenden auf der Bühne in Bedrängnis gebracht. Vehement verlangten sie von ihnen eine deutliche Verurteilung Israels wegen „Völkermord“ und „Genozid“ in Gaza. Das heißt, die Aktivisten behaupteten, Israel wolle die Palästinenser ermorden und ausrotten – ein schwerer Vorwurf, der bislang nicht bewiesen ist und international umstritten bleibt. Die BZ titelte: „So zerstört man ein Festival.“

In solchen Situationen zeigt sich, dass kulturelle Institutionen nicht nur Räume der freien Rede sind, sondern auch Orte der Verantwortung sein müssen – gerade, wenn politische Parolen den Diskurs dominieren. In dieser aufgeheizten Atmosphäre spielte der Hintergrund des Konflikts kaum eine Rolle. Es wurde nicht über die Ursachen des „Gaza-Krieges“ – eigentlich müsste es heißen der militärischen Verfolgung der Hamas-Terroristen – gesprochen. Nach unterschiedlichen Schätzungen sind in dem israelischen Feldzug 70.000 bis 100.000 Menschen in Gaza gestorben, darunter nach verschiedenen Schätzungen 10 bis 30% Kämpfer der Hamas. 

Ob sich nun aus dem Ausmaß der Zerstörung der Vorwurf eines „Genozids“ ableiten lässt, ist fragwürdig. Der Begriff ist völkerrechtlich nicht durch die Zahl der Opfer definiert, sondern durch die nachweisbare Absicht, eine nationale oder ethnische Gruppe zu vernichten. Israel erklärt seinen Feldzug deutlich als militärische Verfolgung der Hamas-Terrororganisation nach dem Angriff vom 7. Oktober 2023 – genau über diese Abwägung wurde geschwiegen.

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Die Geschichte der vergessenen Dinge

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Zwischen Groteske und Zumutung: Udo Breitenbach in der Kunststation

Die dritte Winterausstellung in der Kunststation gestaltet Udo Breitenbach mit weiterbearbeiteten Fundstücken. Vor gut zwei Jahren gewann er mit einem seiner poetischsten Werke diese Einzelschau. Jetzt zeigt er „Sich selbst im anderen sehen“ noch einmal. Zwei identische Köpfe – einer ist weiß, der andere dunkelhäutig – betrachten sich in Spiegeln. Wenn man um das Objekt herumgeht, wird das weiße Antlitz dunkler oder das dunkle heller. 

In der damaligen Gemeinschaftsausstellung „Make Art AND Friends“ reagierten Kunstschaffende mit ihren Beiträgen auf die documenta 15 und deren unsägliche Forderung „Make Friends NOT Art“. Breitenbachs Werk schließt Freundschaften UND ist Kunst. 

Bereits im Eingang zur Schau wird die Bandbreite seiner Arbeiten deutlich: „Party ist over in Europe“ ist das kleine Überbleibsel eines Wohnwagens, der auf dem ganzen Kontinent herumfuhr. Dieses unbearbeitete Fundstück vom Sperrmüll symbolisiert für den Künstler den Zustand Europas. Das Gebilde daneben setzt Fundstücke als Assemblage zusammen: Der traurige Puppenkopf ist mit einer Weltkarte beklebt, in die ein Vogel piekt. Die Welt piept wohl nicht richtig, könnte man meinen. Aber die Bezeichnung des Objekts verweist ebenfalls auf den Titel der Ausstellung: „Noch zu retten?“ 

Gleich in Breitenbachs großer Halle liegt eine gefundene zerstörte Jesusfigur auf einem Eisenbett, eine Trauerschleife um seine kaputte Brust verkündet: „Unser Pazifismus / Ruhe in Frieden“. Im Hintergrund hängen feingerahmte Bundeswehrdecken mit der Inschrift: „Bundeseigentum“. Eine „Notunterkunft“ aus alten Landkarten, die früher in Schulen verwendet wurden, ist auf ein Zeltgestänge montiert. Ein Bett darin ermöglicht vielleicht von alten Zeiten zu träumen, als Deutschland noch größer war. Den Künstler erinnert seine Installation jedoch an Flucht und Vertreibung. 

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Wenn das Material verschwindet

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Parallel zu den zwei großen Winter-Ausstellungen zeigt der Künstler Albrecht Wild – unter dem Titel „Auf Einladung: Bierdeckel, eine Königin und Geishas“ – seine Arbeiten im Studio der Kunststation.

Beim Betreten des Raumes erwartet man „irgendetwas Japanisches“, denn mit einem verrätselten Geisha-Bild wirbt das Kunsthaus für die Schau des Frankfurters. Doch im Studio überwältigt einen sofort die „Kleinsassen-wall“ (Titel) mit 213 Objekten aus verfremdeten Bierdeckeln auf zwei Eckwänden. Hier präsentierte bereits die Fuldaer Künstlerin Anne Kalb vor einiger Zeit ihre bemalten Bierdeckel. Es überrascht immer wieder, wenn profane Alltagsdinge wie diese Pappuntersetzer – respektlos gegenüber der „großen Kunst“ – zu künstlerischen Objekten transformiert werden. 

Zunächst erkennt man jedoch kaum Bierdeckel, sondern die vielen Objekte erzeugen insgesamt ein Muster oder Geflecht. Die schiere Menge verschiebt die Wahrnehmung vom einzelnen Gebilde auf das serielle Prinzip. Doch immer wieder schweift der Blick von der Gesamtkomposition ab zu ihren einzelnen Bestandteilen – jeweils einige gleiche Untersetzer wurden durch Schnitte, Anordnungen und Verschiebungen spielerisch neu zusammengesetzt. Mal verfremden sie die erkennbaren Ausgangsbilder, mal verschwindet die ursprüngliche Wirkung. Meist sind die Logos und Motive kaum noch erkennbar.

Wild spielt, experimentiert, verblüfft mit seinem Material, den bedruckten Untersetzern – aber nicht beliebig oder zufällig. Stattdessen entwirft er die Umgestaltungen vorab durch Skizzen und präzise Zeichnungen, die bereits selber Kunstwerke sein könnten – jedoch weder gezeigt noch verkauft werden. Bei Fuldaer Hochstift-Deckeln kann er sich ruhig mal verschnippeln, aber der Schneidekünstler sucht auch weltweit nach herausfordernden, eher seltenen Motiven. 

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Nähe aus Distanz – Vielfalt mit Haltung

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Kurz vor dem Jahresende begannen in der Kunststation die beiden umfangreichen Winterausstellungen. In einer präsentieren 21 Mitglieder der „Frankfurter Künstlergesellschaft“ ihre Arbeiten unter dem Titel „Nähe aus Distanz“.

Nach dem Eintritt begegnet man der überlebensgroßen weiblichen Skulptur „Hurdy Gurdy“. Übersetzt heißt der englische Titel „Drehleier“ – im übertragenen Sinn steht sie also für Bewegung und Dynamik. Das Reisigbündel in ihren Händen verweist auf Hurdy-Gurdy-Girls: arme junge Frauen, die im 19. Jahrhundert aus dem Hessischen in die USA auswanderten und dort hart arbeiten mussten. 

Diese Figur ist jedoch kein Opfer. Breitbeinig, standfest und selbstbewusst steht sie auf einem kleinen Rollwagen und suggeriert Kraft und Eigenständigkeit. Als Auftakt verweist sie auf ein Motiv, das sich in der Ausstellung mehrfach findet: selbstbestimmte, starke feminine Figuren. 


Eigenartige weibliche Holzwesen, eine heißt „Grazie“, zeigen sich nur leicht bekleidet oder nackt aufeinander stehend. Die teils bemalten Skulpturen aus Linden- oder Ahornholz sind ineinander verdreht und verschlungen, manche Körperteile sogar nach innen gewölbt. Als Installation irritiert diese Frauengruppe, doch durch ihre Gestaltung – als Konkav-Tiefenreliefs – wird immense Lebensfreude und Bewegung spürbar.

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