Wenn Papier zu atmen beginnt – Hannelore Weitbrecht in der Kunststation

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In der zweiten der drei aktuellen Herbstausstellungen in der Kunststation Kleinsassen/Rhön präsentiert Hannelore Weitbrecht ihre sinnlichen Objekte. Staunend betrachtet man feine Gebilde aus Pergament, Draht und Naturfunden, die wie eigenartige Traumwesen wirken oder bizarre Gestalten aus erdachten Landschaften. Pustet man einige an, scheinen sie sogar zu atmen. 

Die Arbeiten verwirren die Sinne – man fragt sich, ist das nun Kunst oder Natur? Aber die Künstlerin fertigt keine Nachbildungen der Pflanzenwelt, sondern erschafft sich ihren eigenen Kosmos. Sie greift Wachstumsprozesse auf – daher heißen und zeigen ihre kleinen zarten Skulpturen „Wachsen“, „Aufbruch“ oder „Aufzucht“.

Über diese und ähnliche kleinformatigen Werke hinaus entfaltet ihr Oeuvre in der Kunststation eine bemerkenswerte Vielfalt. In einer Halle errichtete sie einen größeren Garten: Papierobjekte und Zweige formen eine Wand aus „Blüten“, am Boden liegen „Blätterwirbel“ oder wachsen „Blütenstämme“, so die Titel. Die „Keime“ bilden eine zentrale Installation aus knolligen Körpern. Sie verdichten sich zur Mitte, daraus wachsen unterschiedlich hohe Triebe. Auch sie entstehen aus denselben Materialien und Techniken.

In einer anderen Halle wirken ihre sechs großen Doppelschalen und acht Gartengeräte wie schwere Holzobjekte. Doch allesamt sind diese Plastiken – insgesamt tituliert als „Ernte“ – ebenfalls leichte Skulpturen aus Papier, Draht und Farbe. Papier ist der Grundstoff fast aller ihrer Werke, gefaltet, verknittert, geknüllt wird es zum erstaunlichen Rohstoff. Die Künstlerin verwandle Papier in Seherlebnisse, so ein Kollege.

Besonders in ihren 16 „Kleingärten“ integriert die Künstlerin neben dem Papier eine Vielzahl von echten Naturmaterialien – Samenschoten, Kerne, Zweige – zu ästhetischen Verschmelzungen. In dieser Gartenkolonie aus kleineren, jeweils gleichgroßen Bildkästen verknüpft sie das Natürliche und das Kulturelle auf faszinierende Weise. 

Einer der Höhepunkte ihrer Ausstellung ist die eigenartige Wand „Pflanzenversuchsfeld“.

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Ein Rundgang durch die Ausstellung „Die Welt ist schön?!“

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In der Kunststation Kleinsassen / Rhön ist derzeit die Ausstellung „Die Welt ist schön?!“ zu sehen. 52 Kunstschaffende widmeten sich dieser Frage mit unterschiedlichen Reaktionen und diversen künstlerischen Techniken. 

Bereits der Aufgang zu den Galerieräumen überrascht durch viele gelbe, unregelmäßig angeordnete Klebestreifen. Es ist eine Komposition, die im Dunkeln mit Schwarzlicht leuchtet, doch auch tagsüber irritiert sie die Wahrnehmung der Besucher und stimmt sie auf die Schau ein – siehe Foto oben. Denn etliche der ausgestellten Beiträge sind nicht eindeutig, sie provozieren eigene Assoziationen und entführen in neue Wirklichkeiten.

Beim Rundgang durch die Ausstellung ist die Wirkung einiger großformatiger Bilder überraschend. Größe ist zwar kein Wert an sich, doch manchmal treten einem die Werke quasi auf Augenhöhe gegenüber oder laden zum Eintauchen ein. Etwa in die riesige Ölmalerei „Sickernde Sonnenstrahlen“, in eine Landschaft, die durch das Licht eher abstrakt wirkt.

Spektakuläre, raumgreifende Installationen bilden Schwerpunkte in den Sälen – etwa das papierene Objekt „An manchen Tagen“. Düstere Wolken hängen in der Luft. Ein Stein scheint zu fallen. Durch den Raum treibt ein Wesen. Alles aus Papier mit schwarzem Graphit – man braucht Zeit, um in das Environment einzutauchen. Allmählich lässt sich nachempfinden, wie es der Künstlerin „an manchen Tagen“ geht… auch in einer schönen Welt. Am anderen Ende der Halle die eigenwillige Anordnung zweier größerer Linolschnitte mit uneindeutigen Darstellungen, die sich nur assoziativ erschließen. 

Wer länger verweilt oder wiederkehrt – kann fast übersehene, filigrane Arbeiten entdecken und berührt werden. Dazu gehören kleine, fotografisch und filmisch festgehaltene „Stillleben mit Seifenblasen“ oder „Perlen des Wassers“: Fläschchen mit Miniatur-Videos, in denen kurze Träume aufscheinen. Auch die Serie „Nester“ verzaubert – mit Objekten wie „Luxuriöses Nest“ oder „Kitschiges Nest“. Am Ende das harte, makabre „Asylnest“ aus Stacheldraht.

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Ein Rundgang durch die Gasometer – Buntes im Kessel

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In zwei „Kesseln Buntes“ und einem Teil der Galerie zeigt der Kunstverein Fulda „Präsenz“ (Ausstellungstitel) im Museum Modern Art in Hünfeld/Ost-Hessen. 25 Kunstschaffende wurden in das alte Gaswerk eingeladen, die bei den Aufgaben des Vereins besonders engagiert waren. 

Eine Plane mit der Frau, die mit der Stirnlampe nach Kunst sucht, markiert den Eingang zwischen den Kesseln. Bereits im ersten Tank begegnet man einem gigantischen Wal im blaugefärbten Ozean, gemalt mit Ölpastell und Acryl auf Leinwand. Darunter – quasi auf dem Meeresgrund – lagern skurrile Wesen, rote oder oxidierte Stahlskulpturen, die mit den verrosteten Wänden korrespondieren. Sowohl deren Patina, als auch das Blau des Meeres setzt sich in den links angrenzenden dunklen Gemälden fort. 

Deren mythologische Motive – etwa „Die Göttin“ oder „Eruption“ – regen die Fantasien an. Dazwischen ein Mobile aus Kupferplatten, die sich in die Anmutung der Figuren und Rostwände einklingen. Es steht für Gleichgewicht und Leichtigkeit, mildert die etwas dunkle Wirkung der Ecke. Rechts von der „Begegnung mit dem Wal“ zwei Bilder wie Bullaugen. Man schaut hinaus aufs Wasser. Weitere ozeanische Blicke folgen bis zu dem Mann, der in seinem Werk eine Wand wasserblau streicht. Nun weiß er: „Beinahe am Meer zu sein“. Begrenzt wird das Wasser zu den folgenden Landschaften mit drei weißen Stelen.

Auffällig ist die hervorragende und ungewöhnliche Kuratierung – viele Beiträge beziehen sich aufeinander und den umgebenden Raum. In den Kesseln bricht diese Ausstellung konsequent das White-Cube-Konzept. Sie hebt die Kunstwerke nicht aus dem Alltag, lässt sie nicht autonom erscheinen oder für sich sprechen.

Noch stärker, geradezu als körperlich erfahrbares Eintauchen (Immersion) ist das im zweiten Behälter spürbar: Das Environment wird zum Erlebnisraum jenseits des White Cube. Von der Decke hängen zahlreiche „Himmel / Hirngespinster“, kleine textile und metallische Dinge, die den Blick auf eine sinnliche Serie von sechs großen schwarzweißen Akten oder kühne Objekte aus Bauschutt mit Gips („Mutter und Kind“) beeinflussen.

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„Sich sammeln“ – Studioausstellung von Patricia Schellenberger

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Die Künstlerin Patricia Schellenberger will „Sich sammeln“ in ihrer Schau – unter genau diesem Titel. Hier, im kleinen Saal der Kunststation, hat sie gesammelte Arbeiten aus den letzten Jahren zusammengetragen, etwa ihre kugelige „Brillenskulptur“ aus 734 zusammengesteckten Brillen oder „unartige Stickereien.“

Eine dieser gestickten Handarbeiten heißt und verkündet die „Vollendete Nutzlosigkeit“, stellt das Sammeln infrage und bestätigt zugleich dessen Sinn – so die Idee der Künstlerin. Zahlreiche bildnerische Notizen, Wortspiele und fixierte Ideen hat Schellenberger im Laufe der Zeit auf gleichgroßen Blättern gesammelt und zur Seite gelegt, die momentan im Studio präsentiert werden. Jetzt provozieren sie Nachdenklichkeit oder Widerspruch bei den Betrachtern: „Man muss das Lassen wollen“ oder „Zeichen tun so hilfsbereit, nehmen aber Handlungsspielraum.“

Aufgeblasene weiße Luftballons verzierte und beschrieb sie mit einem zarten Stift. Nach dem Entweichen der Luft wirken die Muster auf den schlaffen Ballons unendlich filigran. „Sie ruhen nun“, schrieb sie dazu. „Bereit aber, sich luftvoll wieder zu weiten.“

Die Künstlerin zeichnet, malt, kritzelt, gestaltet Installationen, collagiert, stickt und nutzt auch ihren eigenen Körper. Sie hat keine Berührungsängste mit profanen Materialien oder Techniken. Dabei gehen Schrift und Zeichnung ineinander über, Worte verschmelzen mit Bildern. Denn was sich nicht sagen lässt, skizziert sie. Die Arbeiten Stehen für sich und interagieren untereinander auf den Wänden.

Experimentierfreudig verknüpft sie Alltägliches mit Bildender Kunst. Sie ist eine philosophische Künstlerin, die sich oft der Sprache bedient, um deren Bedeutung mit einem Augenzwinkern wieder infrage zu stellen. Sie produziert keine abstrakt-philosophischen Ergüsse, sondern paraphrasiert ihre Worte mit Zeichnungen oder Stricheleien. Darum ist „Das Herz der Ausstellung“, wie sie sagt, die linke Stirnwand des Raumes voller Skizzen und Bilder. „Diese sensible Linie, die den weißen Raum dennoch bestimmt gestaltet, das ist für mich ein tragendes Element.“

Für die Besucher hat die Künstlerin einen Rundgang durch ihren Raum beschrieben, das Papier liegt als Kopie zum Mitnehmen bereit. Eine hilfreiche Idee, denn ihre Installation ist eine große Herausforderung für das Publikum.

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„Ausgelöst“

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in der neuen Ausstellung im Kunstverein Fulda zeigen drei Gast-Künstlerinnen ihre unterschiedlichen Objekte. 

Bei fantastischem Frühlingswetter wurde am letzten Sonntag die neue Ausstellung des Fuldaer Kunstvereins eröffnet. Die Vernissage fand im Freien statt und begann mit einer Performance der Künstlerin Christiane Gaebert. Auf ein großes weißes Blatt zeichnete und kritzelte sie blitzschnell mit zarten Linien viele angedeutete Gesichter. Vom Band erklangen dazu Gesänge aus den 1920er-Jahren, diverse Geräusche, groteske Töne Neuer Musik, Textfragmenten von Brecht oder Hauser. Einerseits inspirierten die Klänge die Künstlerin bei ihrer intuitiv-dynamischen Gestaltung, andererseits verdichtete sich dadurch ihre Arbeit aber auch zu einer Aufführung für das Publikum.

Nach einiger Zeit begann sie mit verschiedenen Farben Teile des Bildes auszumalen, manche Gesichter mit fetten Farblinien nachzuziehen. Gut eine spannende halbe Stunde später hatte sie ein provisorisches Werk geschaffen, das ihren wesentlich komplexeren Bildern im ersten großen Ausstellungsraum des Kunstvereins ähnelte. Auch bei dem gewaltigen Gemälde „Die Zusammenkunft“ schauen aus dem Hintergrund Menschen zu, während sich eine Äffin und ein Zicklein im Vordergrund annähern. Daneben hängt ein mächtiges Wimmelbild von ihr, mit lauter Gesichtern, gezeichnet mit einer einzigen, durchgehenden Linie. 


Gaeberts Performance war auch eine Demonstration ihrer dynamischen und spontanen Arbeitsweise, in der deutlich wurde, dass sie vielleicht bestimmte Vorstellungen zur Gestaltung im Kopf hat. Dass aber auch die äußere Atmosphäre und die Eigengesetzlichkeit der Farben und Linien das Ergebnis mitbestimmen. Im völligen Kontrast dazu stehen ihre geschnittenen Konstruktionen aus Papier, gleichsam dreidimensionale Scherenschnitte unter Glashauben. Sie wirken wie schwebende bizarre Skulpturen, die einfach geplant und konstruiert werden müssen. 

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„Kleines ganz groß“

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Im Vonderau-Museum präsentiert der Fuldaer Kunstverein seine spannende diesjährige Querschnitts-Ausstellung „Kleines ganz groß“. 52 Kunstschaffende interpretieren mit 102 unterschiedlichen Arbeiten und künstlerischen Medien das Thema.

Besucher stoßen im Eingangsbereich auf eine Wand von 162 eng gehängten, grünen Leinwänden im Format 20 mal 20 Zentimeter. Die von Mitgliedern gefertigten „kleinen Grünen“ sind extrem verschieden – und verweisen damit auf die gestalterische und inhaltliche Vielfältigkeit der folgenden Schau. Doch die Ausstellung ist kein beliebiges Sammelsurium, sondern hervorragend kuratiert.

Ein gewaltiger hölzerner Apfelgriebsch („Apfel“), eine Wiese von Textilcollagen, „kleine Blüten ganz groß“ (Titel) oder textile Spermien, „Einer wird gewinnen“, empfangen humorvoll die Gäste. Die Beatles sind in Grafiken als Käfer verfremdet („Seltene Spezies“), die fette Spinne auf einer Eiswaffel bietet die „Eiskalte Überraschung“. 

Denn im hinteren Bereich der Halle geht es düsterer zu: Edle, aber bedrohlich anmutende phallusartige Keramikgebilde, verweisen auf die aktuelle Diskussion um die Taurus-Raketen („Taurus 300“). Das Gemälde eines Kindersoldaten geißelt: „Statt Lutscher Kalaschnikow“. Gandhi und Hitler in Graphit auf Papier, provozierend nebeneinander gehängt, symbolisieren den „Flügelschlag eines Schmetterlings“. Diese beklemmenden Arbeiten überwältigen nicht mit eindeutigen Botschaften, sondern provozieren Emotionen und Gespräche.


In der ersten Etage gibt es vor den zahlreichen Wandbildern allerlei Skulpturen. Etwa wieder zwei Käfer, („Skarabäus“), riesig und aus diversen Metallen vor verrätselten Fotografien, die Blumen mit Mädchen verweben („fleur François“). Gigantische Pilzobjekte wirken schön aber bedrohlich, denn diese Gewächse sind ja auch fremdartig – und nicht einfach nur „Drei kleine Pilze“.

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Das Festival „artkin groove“ des Kollektivs Mania

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Inmitten des Aufeinandertreffens von Natur, Bildender Kunst, Musik und wenig Regen – im „Botanischen Garten“ in Steinau-Seidenroth – erlebte das Publikum zwei Tage lang ein großartiges abwechslungsreiches Festival.

Etwa einhundert „Suchende“ waren ständig an diesem magischen Ort im „Botanischen Garten“ präsent und befanden sich in einer anderen Welt. Der Höhepunkt des ersten Tages war sicherlich der Auftritt der legendären Psychedelic-Rockband „Embryo“, die mindestens drei Generationen anlockte.


Unterhalb einer Blumentreppe lag ein riesiger, etwas angeschlagener „Schlüsselanhänger“, so groß, wie das Erschrecken, wenn man seinen verlorenen Schlüssel sucht. Vielleicht wuchs er aber auch zu einem autonomen Wesen, das sich davonmachen wollte. Der kräftige Wind wehte durch die Lamettahaare eines Monsters, das vor einem, drohend wirkenden Baum in einem Käfig steckte. Eine künstliche Mauer trennte und verband zugleich das Wohnhaus mit dem Garten. In der nahen Halle zeigte eine chinesische Künstlerin ein Video, das den unglaublichen mechanischen Gruppendrill tanzender Kinder entlarvte. Die krassen Bewegungen der kleinen Tanzmaschinen unterlegte sie mit Knattern, Rattern, Quietschen und anderen unerbittlichen Industriegeräuschen.

Das Festival des Kollektivs Mania realisierte kein Museum im Grünen, keine luftige Konzerthalle im Freien. Einerseits waren die Kunstwerke, Performances und Filme das Thema der Auseinandersetzung mit der Natur, andererseits jedoch das Medium zur Begegnung und Kommunikation der Gäste. Selten erlebte der Verfasser dieser Zeilen so viele freundliche Kontakte mit „Fremden“. Erstaunlich die große Vielfalt, der von den zwei Kuratorinnen Melika Moazeni und Ines Schäfer ausgesuchten Objekte und Darbietungen.

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Eine poetische Konfrontation von Wort und Bild

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Im Studio der Kunststation Kleinsassen/Rhön präsentiert Albrecht Rosenstiel poetische Konfrontationen von Bildern und Worten. Seine Ausstellung heißt „Umgeblättert“ – und das ist wörtlich gemeint. Denn wie einst in den Papierstapeln des Fuldaer Künstlers Franz Erhardt Walther, dürfen auch hier die Besucher in seinen „Büchern“ herumblättern. Doch sie sind große Mappen auf wackeligen Drahtständern („um vorsichtig mit ihnen umzugehen“), in denen sich bebilderte Blätter, leere Bögen und beschriftete Seiten treffen. 

Links fragen gestempelte Buchstaben „wo“, „wo, wo“, rechts wabern eigenartige fragwürdige Köpfe. Oder die „Vision“ ist ein kleines Wesen mit einem riesigen rotierenden Kopf. „Entweder freunden sich die Worte mit den Bildern an“, meint der Künstler, „oder sie kämpfen miteinander.“ Drucke, Malereien und Zeichnungen illustrieren nicht die Begriffe, sondern paraphrasieren sie, also umschreiben sie bildhaft. Die Typografie seiner gestempelten Worte wirkt dabei mit: „Not“ stempelte er mit einem riesigen O, „Bedrängung“ steht senkrecht ganz am Rand des Blattes.

Seine Mappen stellt der Künstler, „vorwiegend nach optisch-ästhetischen Gesichtspunkten“ zusammen. Auch die in ihnen enthaltenen Wort-Bild-Paare sind assoziativ hintereinander angeordnet – beispielsweise folgen sukzessiv „Wo“, „Gedanke“, „Vision“, „Umwege“. Aus der Abfolge lassen sich zwar Erzählungen interpretieren, aber beabsichtigt ist das nicht. Im Gegenteil, der Künstler will keine eindeutigen Geschichten erzählen.

Thematisch geordneter sind des Künstlers Leporellos. „Waldgeflüster“ lockt uns mit gebundenen Papierbögen in den Wald. Seine eigenen Verse umschreiben die teils düsteren, teils lichten Gestaltungen: „Wenn zornige Winde / Ins Astwerk fahren / Folgt der Baum dem Rhythmus / Des Windes mit heftigem Schlagen…“


Die dritte, aus Collagen ohne Titel bestehende Werkgruppe, nennt Rosenstiel Palimpsest. Mit dem Titel bezieht er sich auf altertümliche wertvolle Papiere, die nach dem Abkratzen der Wörter neu beschriftet wurden. Seine Palimpseste sind alte Briefe, Dokumente, Zeitungen, die er collagiert, übermalt oder darauf zeichnet.

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„Geschnitten. Gefaltet. Geformt – Papier!“ Ausstellung in der Kunststation Kleinsassen

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In der aktuellen Ausstellung machen 18 renommierte Kunstschaffende die Bedeutung von Papier in der zeitgenössischen Kunst erfahrbar. Ausdrücklich geht es nicht um Papier als Bildträger oder um die Verbindung mit anderen Stoffen wie Holz oder Glas. Den Rundgang beginnt man im Entree zur Halle 1, denn hier wird rasch die Spannweite sichtbar, was künstlerisch mit und aus dem Material gestaltet werden kann: 

Entspannt begrüßen einen zwei Buddhas, die aus zusammen gepressten Katalogen herausgearbeitet wurden, es sind bildhauerische Objekte aus recyceltem Papier.

Eine lilafarbene Porträtskulptur aus geknuddeltem Japanpapier stellt die Künstlerin „Marina Abramowić“ dar. Die moderne Variante eines Scherenschnitts ist der „Wald 2“, mit mehreren Silhouetten übereinander in einem verglasten Kastenrahmen. Lediglich aus nur einem Aquarellkarton wurde der halbreliefartige „Treppenstreifen“ geknickt und gefaltet.


Hinter dem Eingangsbereich hängen zarte Zeichnungen mit Nadelstichen auf Papier oder weiße, aus Baumwolle oder Leinen geschöpfte Blätter mit winzigen bewussten Fehlern. Die Arbeiten sind derartig subtil, dass zunächst kaum erkennbar ist, was sie bedeuten. Doch dann folgen riesige Werke aus farbigem Papier auf andersfarbigem Papier, in Originalgröße von erkennbaren Dingen, ein „Porsche“ oder die „Gelbe Tonne“. Die realistischen – man darf sagen – Installationen, kontrastieren mit den konstruktiven Gebilden an der gegenüberliegenden Wand. Es sind Spiele mit den Möglichkeiten des Materials, sie symbolisieren nichts. Sie beinhalten allerdings „kubistisch“ anmutende, geometrische Formen der Alltagsgegenstände von gegenüber, wie die Reifen des Autos.


Im Nebenraum sind etliche dreidimensionale Fantasiewesen „Ohne Titel“ aus geschöpftem Papier, Farbpigmenten und Beize arrangiert. Auch diese fantastischen, zum Träumen anregende Figuren werden konfrontiert mit extrem strengen, offensichtlich mathematisch berechneten Schnittzeichnungen. 

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„Farbe trifft Holz“ 

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Drei unterschiedliche Kunstschaffende in der aktuellen Ausstellung des Kunstvereins Fulda

Zu Beginn des Rundgangs trifft man auf die „Vier Jahreszeiten“ der Holzbildhauerin Ines Britz. Mit ihrer Installation konfrontiert sie den Besucher direkt mit dem Ausstellungsthema „Farbe trifft Holz“: In drehbare Scheite hat sie, wie bei Holzschnitten, Gesichter eingekerbt und mit Acryl übergewalzt. So entstanden vier Porträts, die für die unterschiedlichen Jahreszeiten stehen. 

Drumherum an den Wänden hängen riesige, farbkräftige Acrylbilder von Jan Döhrer, die man sogleich als Landschaften interpretieren möchte. Doch warum sind sie an den Rändern so ausgefranst oder verwischt? Sind das reale Destruktionen der Gemälde durch Witterung und Verfall oder sind es künstlerische Gestaltungen? Verweisen die Werke auf den Klimawandel oder haben die Übermalungen eine rein ästhetische Funktion? Die irritierenden Gemälde sind keine Ratespiele, vielmehr spielen mit den Wahrnehmungen und Fantasien des Betrachters. 

Andere Bilder des Künstlers sind zentimeterdick mit kräftigen Farben gespachtelt. Diese Farben greifen in den Raum, grapschen nach dem Besucher. Und natürlich kann man auf den Objekten wieder Landschaften sehen: die Natur, die sich ihre Welt zurückholt, mit loderndem Feuer, verbrennender Sonne oder geilem Grün.

Beim Weitergehen sind andere überraschende Arbeiten von Iris Britz zu sehen: In einer Holz- und Eiseninstallation scheinen sich zwei weiß übermalte Figuren zu trennen. Eine Frau schaut einem Mann nach, der gramgebeugt durch eine Tür getreten ist. Man will in die Figuren hineinspüren, ihre Haltungen nachahmen, ihre Erzählung verstehen. Rein formal setzen sich die strengen Linien der Eisenkonstruktion dahinter in den Fenstern und Heizkörpern fort. Ein hervorragender Ort – eigentlich ein Nicht-Ort – in dem „Hin und weg“ (Titel) passiert. 

Die Werke in den hinteren zwei Räumen sind dem 2020 gestorbenen Künstler Ronald Johnson aus Franken gewidmet. Im ersten hängen wilde, scheinbar abstrahierte Kompositionen mit kräftigen Farben, in denen man jedoch (nicht nur als Mann) weibliche Figuren oder Formen erkennen kann. Auch sie sind oft lediglich nummeriert, ohne wegweisende Titel. 

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