Im ausverkauften Schlosstheater in Fulda präsentierte das siebenköpfige französische Ensemble „Dyptik“ zeitgenössischen Tanz mit Breakdance-Einlagen.

Im Saal ist es dunkel. Ein sirrender Ton steigt an. Das Licht wird langsam heller, beleuchtet eine androgyne Gestalt an einem riesigen Tisch auf der Bühne. Aus der Dunkelheit am Rand lösen sich Tanzende mit drehenden, hockenden, bizarren Bewegungen. Die Töne werden komplexer und bedrohlicher, die einsame Figur am Tisch zittert, zuckt, malt Kreise in die Luft. Behutsam nähern sich die Anderen dem Tisch. Okkupieren ihn, werden aggressiver. Die Solistin verschwindet an den Rand der Rampe. Einzelne lösen sich aus der Gruppe oder werden ausgegrenzt. Kehren wieder zurück. Paare locken einander, nähern sich an, verlieren sich wieder. Der Tisch wird an den Rand geschafft, die Stimmung der Musik und damit auch der Tanzenden changiert zwischen Drama und Entspannung.

Kräftiger und intensiver wird der durch die Musik vorgegebene Tanzrhythmus. Chorische Bewegungen des Ensembles wechseln mit individuellen Ausdrucksformen. „Dyptik“ zeigt Elemente des zeitgenössischen Tanzes mit seinen typischen eigenartigen Bewegungen und akrobatischen Einsprengseln. Unaufhörlich werden die Tanzenden durch die laute Musik, den intensive Rhythmus vorangetrieben. Spürbar ergreifen ihre unbändige Energie und Bewegungslust auch das Publikum.

Manchmal geht eine Tänzerin oder ein Tänzer zu Boden, dreht und windet und überschlägt sich dort im Breakdance. Kehrt zurück in die Formation. Diese artistischen Einlagen entstehen flüssig aus den übrigen Abläufen und Situationen, sie wirken nicht wie künstliche Schaueinlagen. Mal kommt es auch zu „battles“, zu Kämpfen, wie man sie aus der ursprünglichen Hip-Hop-Bewegung kennt: Wer kann die schnellsten, geschicktesten, kunstvollsten Bodenfiguren? Wer gewinnt? Hier bricht gelegentlich auch das Rohe, das Ungeschliffene dieser Kultur hervor: Ein Tänzer zeigt plötzlich sehr lange seine Niederlagen, seine Verzweiflung, seine Hoffnungen in einem endlosen Breakdance am Boden. Das ist keine Schauspielerei, sondern tänzerisch ausgedrückter Kampf und Widerstand gegen das Schicksal. 

Ein großer Tänzer steht träumend auf der Bühne, eine kleine Tänzerin tanzt und reibt sich an ihm, rennt gegen ihn an, windet sich um ihn herum, verschwindet. Der Träumer zittert mit dem Kopf, dann mit seinen Gliedmaßen, schließlich wie irre mit dem ganzen Körper.

Im Kasseler Staatstheater setzt die Tanzsparte den Diskurs mit Tschaikowskys klassischen Balletten fort. Nach „Schwanensee“ im letzten Jahr, zeigen zwei Gastchoreografinnen zeitgenössische Varianten von „Dornröschen.“

Auf der schneeweißen Bühne schlängelt sich eine schwarzglänzende Gestalt aus einem silbrigen Behältnis. Sie windet, verschlängelt, verbiegt sich. Stakst mit bizarren Bewegungen zu Industrial-Klängen umher. Zuletzt wird sie durch eine riesige, weiß gewandete Figur mit Baby, von der Rampe gezerrt. Mehr und mehr strahlendweiße Tanzende erscheinen und vollführen irrsinnige akrobatische Bewegungen. Sie wirken wie Gummimenschen mit starren Puppenaugen.

In „100 years 100 hearts“ entstehen eigenartige Traumbilder, die man so noch nicht im Tanztheater gesehen hat. Sie alleine sind den Besuch des Doppeltanzabends wert! Mit weiteren Szenarien führt uns die Choreografin Liliane Barros durch unwirkliche Welten. Sie bezieht sich auf Symbole des einst wilden Märchens, das im Laufe seiner Verbreitung stark gekürzt und gezähmt wurde. Ungezügelte, ja böse Unterströmungen der Erzählung werden freigelegt. Doch es gibt auch sanfte Bilder: die Zwillinge die sich in verbindenden Schnüren hin- und herwiegen, menschliche Skulpturen in verhüllenden Tüchern. „Ich bleibe in meiner Kreation abstrakt, visuell, atmosphärisch, intuitiv, archaisch – um den Raum für Assoziationen zu öffnen“, so die Choreografin.

Raum für eigene Interpretationen enthält auch „Dawn and Day“, die zweite Dornröschen-Adaption von Sita Ostheimer. Sie hat jahrzehntelang für den Choreografen Hofesh Shechter gearbeitet, was man ihrem Stück überdeutlich anmerkt. Im Halbdunkeln, ab und zu bei grellem Licht wird unaufhörlich kraftvoll-dynamisch zu rhythmischer Musik getanzt – wie man es von Shechter kennt. Immer und immer und immer wieder auf dem gleichen Level entstehen Tanzbilder, Begegnungen, chorische Bewegungen. Oft sind sie im Dämmerlicht nur schwer zu erkennen. Ostheimer will so die Schichten des Märchens, die im Laufe der Jahrhunderte entstanden, gleichsam archäologisch wieder ausgraben. 

Weitere Aufführungen am 19. November sowie am 16., 20. 23. und 26. Dezember

Fotos aus „100 years 100 hearts“ von  © Sylwester Pawliczek

Ein deutsches Amalgam aus Thriller, Black Comedy und Horror
„Ach Du Scheiße!“ Diesen schmuddeligen Filmtitel muss man wörtlich nehmen, denn das cineastische Kammerdrama in Echtzeit findet in einem umgefallenen Dixiklo statt. 

Voller Schmerz erwacht ein Mann in dem transportablen Klohäuschen. Auf seinem Arm krabbelt ein Marienkäfer. An der Wand hängt das Poster einer nackten Frau. Als er sich bewegen will, schreit er vor Schmerzen: Mit einem, durch seine linke Hand getriebenen Stahlstab, steckt er fest in seiner Zelle. „Ach Du Scheiße“, entfährt es ihm, als er seine hoffnungslose Situation erkennt.

Von draußen, aus dem Off, plärrt die Lautsprecherstimme des – wie wir später erfahren – zukünftigen und korrupten Bürgermeisters, der von der gleich erfolgenden „Sprengung der alten Villa“ erzählt. Irgendwie wird dem Mann und uns Zuschauern klar, dass dann auch das Klo in die Luft fliegt. Die Stimme aus dem Off zählt die Zeit herunter, „noch zwanzig Minuten“, „noch fünfzehn Minuten“ – und begründet unaufhörlich die ökonomische Notwendigkeit, dieses Gebäude zu beseitigen. Verzweifelt gelingt es dem Gefangenen die Tür aufzustoßen. Sein Handy fällt dabei in die Kacke, mühselig pult er es heraus und schafft es sogar die Polizei anzurufen. Doch die hält ihn für einen Irren als er seine Lage schildert und tut erst einmal – nichts.

Mittlerweile wissen wir, dass der Gefangene Frank (Thomas Niehaus) heißt und der Architekt eines Großprojektes ist, der gegen die Sprengung kämpfte. Durch einen Spalt kann er draußen eine gefesselte und geknebelte Frau erkennen, die kritische Beamtin vom Bauamt. Irgendwann taucht auch sein Widersacher, der zukünftige Bürgermeister auf, ermordet einen schwarzen Sprengmeister und nimmt dem Gefangenen die Illusion, sich selbst befreien zu können. Der Architekt halluziniert seine Freundin herbei, mit der er verliebt in der Kacke liegt…

Die Grundidee des Films, die Handlung nur im Dixiklo spielen zu lassen und fast alle Informationen lediglich durch die Lautsprecherstimme zu bekommen, ist großartig. Aber nach einer dreiviertel Stunde wird es einfach langweilig, auch wenn der Streifen mittlerweile zum Splatterfilm mutiert: das Blut spitzt kräftiger, Körperteile wie der Kopf des Sprengmeisters fliegen durch die Luft. Man schaut sich den Film nur noch deshalb bis zum Ende an um Herauszufinden, wie der Regisseur den Genre-Mix zu Ende bringen will.

Aber wie er das macht, das wird hier natürlich nicht verraten…

Foto:
© Daniel Dornhoefer Neopol-Film

Info:
„Ach Du Scheiße!“, Deutschland 2022, 90 Minuten, FSK 16 Jahre
Regie Lukas Ringer mit Thomas Niehaus, Gedeon Burkhard, Olga von Luckwald und anderen

„Willkommen in Siegheilkirchen!“ Der Name des imaginären Ortes in Österreich verweist auf Nazireste und Spießertum in den Anfängen der 1960er-Jahre. Der Film basiert auf animierten aber gerade noch wie echt wirken Figuren, des 2016 gestorbenen Karikaturisten Manfred Deix. Auch für Menschen geeignet, die keine Animationsfilme mögen…

Rotzbub, der pubertierende Wirtshaussohn, zeichnet nackte Frauen, die zwei seiner geschäftstüchtigen Klassenkameraden als Wichsvorlagen verkaufen. Auf einem Bild fährt die nackte Nachbarin ihre riesigen Brüste im vorderen Fahrradkorb herum. Aus der üppigen nackten Bürgermeisterin wird eine hügelig-erotische Landschaft. 

Zur Frage in der Schule – „was will ich als Erwachsener werden?“ – fällt dem Jungen nicht viel ein. Statt den geforderten Aufsatz zu schreiben, zeichnet er ein Daumenkino, in dem sich die Nachbarin mit Rubensfigur entkleidet. Künstler will der Zwölfjährige werden, das könnte er, meint auch der lüsterne Kunstmaler aus der Großstadt. Er soll die verblassten Nazisprüche am Rathaus übermalen, treibt es mit den ledigen voluminösen Frauen im Ort und nutzt den Bub als Helfer zum Farbeanrühren.

Drumherum treiben die Altnazis ihr Unwesen, der Friseur will endlich selbst einmal Führer werden. Der Dorfpolizist ist ständig besoffen, die Bürgermeisterin korrupt, der Pfarrer ein brutaler Despot. Als sich eine Romafamilie in der Nähe von Siegheilkirchen niederlässt, planen die Rechtsradikalen ein Attentat: „Weg mit dem Ungeziefer.“ Rotzbub verliebt sich in die Tochter eines Romaweibs, die jedoch seinen Avancen zurückweist: „Du Dorftrottel!“ Mutter und Tochter sind für Zigeunerinnen, wie man sie damals beschimpfte, erstaunlich emanzipiert. Im wirklichen Leben hätten sie diese Rechte in ihrer Sippe bestimmt nicht gehabt. Rotzbub versucht gemeinsam mit einem Freund der Romas und einem kiffenden Hippie, der in Siegheilkirchen eine neue Kneipe eröffnet, den Überfall auf das Lager der Roma zu verhindern…

Spießertum, Doppelmoral, Gewalttätigkeit, Rassismus und Sex sind die Zutaten, die bereits Deix in seiner grotesken Bildergeschichte „Rotzbub“ zusammen mixte. Allenfalls Liebe und Aufrichtigkeit ermöglichen in seiner coming-of-age-Erzählung hoffnungsvolle Auswege. Bis zu seinem Tod arbeitete der Zeichner an dem Streifen mit, später konnte Markus H. Rosenmüller als Regisseur gewonnen werden, der bereits in seinem Film „Wer früher stirbt ist länger tot“ einen ähnlichen Jungen cineastisch begleitete.

Der Film bringt die gesellschaftliche Situation vor der weltweiten 68er-Revolte derb, unanständig und provozierend auf den Punkt. Es gibt viel zum Lachen – das einem manchmal allerdings im Hals steckenbleibt. Deix und seine Filmemacher wussten, aber auch wir wissen, dass sich die Verhältnisse dann doch noch radikal wandelten. Darüberhinaus ist „Willkommen in Siegheilkirchen!“ eine hinreißende Hommage an den Karikaturisten, die autobiografische Elemente enthält.

„Farblust – grenzenlos“ nennt Stefanie Brehm die Werke in ihrer Schau, die sie im Rahmen dreier Winterausstellungen in der Kunststation präsentiert. Ihre keramischen Objekte sind bereits ein Grenzgang zwischen Kunsthandwerk und freier Kunst, doch mit ihren expressiven farbenprächtigen Gemälden in riesigen Formaten, löst sie sich auch noch völlig von Bildträgern.

Denn die blau-grün-gelben oder blau-weißen Farben scheinen direkt an die Wände gegossen, geschüttet und gespritzt worden zu sein. Die gläsern wirkenden Arrangements vermitteln beim Betrachter Gefühle reiner Dynamik und greller Wildheit. Sie symbolisieren nichts, stellen nichts dar, sondern spiegeln allenfalls den inneren Zustand der Künstlerin im Gestaltungsprozess wider. Als „deutungsoffen“ bezeichnet Brehm deshalb selbst ihre Arbeiten.

Es sind jedoch keine flachen Glasreliefs die man sieht, sondern Objekte aus dem künstlichen Stoff Polyurethan. Im flüssigen Zustand lässt sich das eingefärbte Material durch Action Painting – also Aktionsmalerei – auf Flächen auftragen ohne sich mit ihnen zu verbinden. Dadurch entstehen diese fragilen Gebilde, welche die Künstlerin dann aufwendig direkt an den Wänden befestigt. 

Die Polystücke seien eine „fluide Spielerei“ aus Spannung und Gleichgewicht, kommentiert Professor Johannes Kirschenmann ihre Arbeitsweise mit dem Werkstoff aus Plastik. Das Verfahren ist einerseits die Fortsetzung ihrer ursprünglichen Ölmalerei, die sie einst in der Münchener Akademie erkundete. Andererseits verweist die glasartige Wirkung des Kunststoffes auch auf die Verwandtschaft mit ihren glasierten Stücken in der Kleinsassener Ausstellung. 

Immer noch kann uns in diesen tristen, durch Klimawandel und Corona geprägten Zeiten, die „grenzenlose Farblust“ Brehms anstecken und unsere Stimmung farbenfreudig einfärben. 

Info:
„Farblust- grenzenlos“ und die übrigen Ausstellungen sind bis zum 27. Februar zu sehen. Öffnungszeiten: Donnerstags bis sonntags von 13 bis 17 Uhr.
www.kunststation-kleinsassen.de

Christofer Kochs zeigt seine Arbeiten in der Herbstausstellung der Kunststation unter dem Titel „Die Rückseite der Wirklichkeit“. Der vielseitige Künstler malt mit satten Ölfarben, druckt Holzschnitte und koloriert sie nach oder modelliert mit der Kettensäge Holz-Skulpturen, die er kräftig einfärbt.

Das Besondere seiner Malerei ist, dass er die Leinwände vor dem Bemalen knickt, faltet oder gerissene Streifen hinzufügt. Dadurch entstehen leicht reliefartige Oberflächen, in deren Räumen die aufgemalten Menschen einen „Aktionsort“ finden: „Sie leben mit und gegen das Vorgefundene und überwinden es schwebend“, meint Kuratorin Dr. Elisabeth Heil, sie „kommen auch ohne reiche Naturdetails oder Architekturen aus.“

Die heute vorgestellte Arbeit mit dem Titel „Wimpernschlag der Endlichkeit“ ist eine Collage. Das Hemd, das der gefalteten Leinwand hinzugefügt wurde, verschwindet durch die Übermalung im düsteren Hintergrund. Eine weißliche, transparente Figur liegt unten im Bild. Doch trotz der figurativen Gestaltung hat auch dieses rätselhafte Gemälde des Künstlers – wie alle Werke in seiner Ausstellung – etwas Unwirkliches. Kochs kreiert keine mimetischen Abbildungen, seine Objekte entwickeln ihre eigene Realität. Verstärkt wird dieser Eindruck noch durch die Faltungen, die oft am unteren Bildrand eine Art Bühne schaffen, auf der nur theatralische, keine realen Ereignisse angespielt werden. 

Im Hintergrund der Collage vermittelt die sternenartige Kulisse möglicherweise die Weite des Alls, das Hemd verweist vielleicht auf menschliche Kultur. Etwas verdrehte oder aufgerollte Gebilde mit Streifen wirken dynamisch, denunzieren jedoch den Hintergrund als Staffage. Farbenfrohe aber undefinierbare Objekte, vielleicht fette exotische Früchte, locken das weiße Wesen oder baumeln unheilschwanger darüber: Die menschliche Figur – oder ihr zurück gebliebener Umriss – existiert zwischen Bühne und Kulisse. 

Von außen scheint die benachbarte Holzskulptur zuzugucken – oder war sie es, die sich aus dem Werk befreite? Bestimmt schuf Kochs sie nicht als Pendant zum Gemälde, aber sie wurde nicht beliebig dorthin dekoriert. Das so zu sehen und darüber nachzudenken ist erwünscht, denn der Künstler gestaltet keine in sich geschlossenen Geschichten. Vielmehr bewirkt er mit seinen kryptischen Werken Anreize zum Weitererzählen und Träumen. Keinesfalls bewusst verrätselt er die Arbeiten, auch nicht diese Collage, sondern sie entwickeln sich so im Prozess seiner Formgebung.

Der Titel „Wimpernschlag der Endlichkeit“ fördert freie Assoziationen und eigene Interpretationen: Ist die begrenzte menschliche Existenz nur ein Wimpernschlag angesichts der Ewigkeit? Zeigt das Bild einen Moment der berstenden Wirklichkeit? Geht es um den Tod im endlichen Menschenleben? Die Arbeit erinnert an das Todespoem „Abschied“