Ein Besuch der Proben für die Kriminalkomödie „Scherenschnitt“

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Das neu gegründete Theaterensemble ImmerDaneben präsentiert dem Besucher ihr Stück in einem ersten Durchlauf. Ein Friseursalon ist in einer leerstehenden Wohnung angedeutet, die Akteure kommen herein: Der Figaro macht ordinäre Bemerkungen über Körperbehaarung, die feine, aufgedrehte Dame neigt zur Hysterie, der düstere „Ausländer“ bleibt undurchsichtig, die freizügige Gehilfin des Friseurs ist zunächst noch verhalten. Dazwischen lässt sich der Kommissar inkognito rasieren.

Es sind scherenschnittartig wirkende Figuren, die hier mal fröhlich, mal sarkastisch aufeinandertreffen. „Soll ich hier getoastet werden?“, blafft die feine Dame unter der Haube. 

Entsetzlich laute Klaviermusik von Nachbarin Frau Czerny in der Wohnung obendrüber ertönt, der Barbier flippt aus: „Tagein, tagaus dieser Krach!“ Mit dem Rasiermesser fuchtelt er am Hals des Kunden: „Eines Tages bringe ich sie um.“ Kurze Zeit später ist die ältere Pianistin wirklich tot. Ermordet! Alle Auftretenden sind mal draußen gewesen, jeder kann sie getötet haben.

Hatte die reiche Czerny eine Beziehung mit der jungen Friseurin? Begrabbelte der Friseur seine Mitarbeiterin? Hat die feine Dame einen Lover? Ist der „Ausländer“ gar kein Fremder? Hat er eine Affäre mit der Coiffeurin? Während der Ermittlung kommen allerlei Geheimnisse und Bösartigkeiten ans Licht. Bald weiß man gar nicht mehr, wem man noch glauben kann. Alle haben ein Mordmotiv, unaufhörlich gibt es neue Wendungen: perfide Beschuldigungen werden konstruiert, aber scheinbare Beweise wieder zerpflückt. Und es gibt viel zu lachen.

Häufig entfernt sich die Handlung von der „Tatort“-Struktur, löst sich von gehässigen oder intimen Annäherungen der Beteiligten. Denn im Spiel geht es auch um alltägliche Ereignisse, die plötzlich eine andere Bedeutung bekommen, die Hinterfragung von scheinbar eindeutiger Wahrnehmung und unbewussten Vorurteilen. Die Zuschauer dürfen im „Scherenschnitt“ mitschnibbeln (müssen es aber nicht), es gibt Raum für Diskussionen oder Nachfragen an die Verdächtigen.

Bereits zu Beginn wird das Publikum gefragt, welcher Figur es einen Mord zutraut.

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Mit Malerei habe ich nichts am Hut…

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Caroline Camilla Kreusch in der Kunststation: Lassen wir uns überraschen, was alles in die große Halle der Kunststation hineinschweben wird“, hieß es in der Einladung zur Schau der Künstlerin im Rahmen der Herbst-Ausstellungen. Tatsächlich verblüffte die Künstlerin den Pressebesucher am Tag vor der Vernissage: Sie schwebte mit einer um den Hals zu tragenden Textilskulptur neben ihrem Wandobjekt „Mikrolose Makrowolke“ (Foto). Aber das weiche Gebilde mit Zotteln fand dann doch keinen Platz in der aktuellen Präsentation ihrer Arbeiten.

Diese kleine Begebenheit offenbart bereits viel über die Künstlerin: Sie spielt gerne mit Materialien oder Worten, legt sich nicht fest, freut sich auf Neues und Unbekanntes. Ihre Arbeiten tragen Namen wie „Pistazienrutsche“ oder „Ungekämmte Ereignisse“, doch diese skurrilen Titel weisen selten den Weg zum rationalen Verständnis ihrer Werke. Man kann Kreuschs Arbeiten einfach nur erleben und sich daran erfreuen; oft wirken sie dynamisch und fordern zur musikalischen oder tänzerischen Umschreibung heraus.

Ihr Werk im Hintergrund des Fotos sieht aus wie ein leicht dreidimensionales Objekt, ein „Halbrelief“, weitere solche Arbeiten brachte sie mit nach Kleinsassen. Doch die vermeintlichen Wandskulpturen sind ausgesägte Platten aus dem sehr festen MDF-Holz. Diese gestaltete sie dann sorgfältig weiter mit kräftigen Farben, „die ich wie Baumaterial verwende.“ Dadurch erzielt sie die räumliche Wirkung.

An einer anderen Wand befestigte Kreusch neben ihren Bildern einige Pappskulpturen: „Klimakisten, gold und schief aber dicht“, wie es in deren Titeln heißt. Oder sie breitete edel aussehende, grellfarbige Skulpturen im Raum aus: „Polyeder“, die sich selbst narzisstisch in Spiegeln auf dem Boden betrachten. „Ich bin Bildhauerin und habe nichts mit Malerei zu tun“, erklärt die Künstlerin, die übrigens aus einer äußerst musikalischen Familie stammt. „Meine Werke sollen im Raum wirken.“ Man kann sie zwar einzeln betrachten (und natürlich auch einzeln kaufen), aber in den Ausstellungen setzt sie diese oft sehr unterschiedlich anmutenden Arbeiten in Beziehung zueinander. So entstehen Installationen, die eine eigene fantastische Welt bilden. 

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Nicht nur nackt in der Tür: Schauspielerin Sandra Hüller (45) gelingt endgültig der internationale Durchbruch

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Für ihr Geburtstagsfest öffnet Sandra Hüller – als Geschäftsfrau Ines Conradi im Film „Tonio Erdmann“ – splitternackt ihrem Chef die Tür. Spontan? Im Stress? Kalkuliert? Man weiß es nicht, aber diese Szene ist bis heute unvergessen, wenn man sich an den, 2016 auf den Festivals in Cannes gefeierten und für den Oscar nominierten Film erinnert. Das vielfach prämierte Opus hat mehr zu bieten als diese Szene oder seine damals ungewöhnliche dreistündige Länge. Hüller und Mitspieler Peter Simonischek wurden als großartige Darsteller in 55 Ländern (welche die Filmrechte erwarben) bekannt.

Trotzdem dauerte es, bis die deutsche Akteurin wirklich international erfolgreich wurde. Sie konnte sich nach der Anerkennung in Cannes nicht einfach aus familiären oder beruflichen Bindungen lösen und monatelang im Ausland drehen. Doch in diesem Jahr liefen drei exzellente Filme mit ihr auf europäischen Festivals: Während der Berlinale wurde das absonderliche deutsche Werk „Sisi und ich“ bejubelt, sie gab das „ich“, also die in Sisi verliebte ungarische Hofdame Irma. In Cannes verkörperte sie in beiden, von der Jury mit den Hauptpreisen – „Goldene Palme“ und „Großer Preis“ – ausgezeichneten Filmen dominierende Rollen. Beide Werke, die „Anatomie eines Falls“ und „The Zone of Interest“ trägt sie fast alleine als Darstellerin.

Die 1978 in Thüringen geborene Hüller spielte bereits als Schulmädchen leidenschaftlich gerne Theater und studierte nach dem Abitur Schauspielkunst. Ab 2000 bekam sie dann mehr als ein Jahrzehnt lang Theaterengagements in ganz Deutschland, wurde vielfach prämiert und durfte sich bald ihre Figuren aussuchen. Quasi als „Hobby“ machte sie in kleineren Rollen in deutschen Filmen mit, bis sie 2006 durch den Streifen „Requiem“ bekannt wurde. Danach changierte sie neben dem hauptberuflichen Theaterspiel zwischen Klamauk- und Art-Haus-Kino, von „Fack ja Göthe 3“ bis „Ich bin Dein Mensch“. 

Nach „Toni Erdmann“ verweigerte sie die cineastische Festlegung auf extravagante Geschäftsfrauen und experimentierte mutig in diversen Genres, bis heute arbeitet sie weiterhin am Theater. Im französischen Psychodrama „Sibyl“ (2019) sprang sie, in der Rolle als Regisseurin, plötzlich ins Mittelmeer, weil sie das Gestreite ihrer Akteure nicht mehr aushielt. 

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Sichtbar gemachte Emotionen eines Künstlers

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Im Rahmen der Herbstausstellungen der Kunststation in Kleinsassen / Rhön präsentiert Michael Apitz seine Schau „Rhein trifft Rhön“. Doch der Künstler drückt seine tiefe Heimat- und Naturverbundenheit nicht in gefälligen, wiedererkennbaren Landschaftsbildern aus. Stattdessen berührt er uns Besucher mit dunklen oder farbkräftigen, meist expressionistisch anmutenden Acrylgemälden.

Sie drücken, nach langen Streifzügen durch die Natur im Rheintal oder den Hügeln der Rhön, seine intensiven Emotionen aus, die wir durch die Bilder nachempfinden können. Im kleinen Saal nimmt das riesige, blau-schwarze Gemälde „Der Weg“ eine ganze Wand ein (siehe Foto). Es mutet düster und dramatisch an. An der angrenzenden rechten Eckwand hängt die wesentlich kleinere, strahlend gelb-goldene Komposition „Johannisberg“, welches dem dunklen „Weg“ die Schwere nimmt. Im großen Saal sind neben drei wirklich knalligen Werken mit satten roten Farben, auf der Eckwand beschwichtigende dunkle Bilder befestigt. Durch diese, von Dr. Elisabeth Heil durchgehend bewusst kuratierten Kontraste, entsteht immer wieder Spannung und dennoch Ausgleich in der Ausstellung des Künstlers. Die Kuratorin meinte übrigens beim Rundgang, die „strahlend warmen Farben“ seien hilfreich für die kommenden tristen Wintertage.

Es sind quasi Erlebnisarbeiten, die Apitz nach seinen Wanderungen in der Natur impulsiv und abstrahiert im Atelier erschafft und durch seine unwirklichen Farben verfremdet. Von realen Orten lässt er sich zwar berühren und zum Malen inspirieren, sie tauchen oft auch in seinen Werktiteln auf, sind aber selten realistisch abgebildet. Seine Motive findet er im Rheintal, welche bereits die Kunst der Romantiker anregten. Auf Initiative der Leitung des Biosphärenreservats Rhön kam er auch in Kontakt mit der Kunststation, die ihn ermunterte, sich für eine Ausstellung in Kleinsassen auch mal der Rhön zu widmen. Schließlich zog diese Region bereits im 19. Jahrhundert ebenfalls viele Künstler an, der Zusatz Malerdorf zum Ortsnamen Kleinsassen erinnert an jene Zeit.

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Rufe in die Dunkelheit – fantastisches Herbstkonzert des Grimmmischchores

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Herbstlich geworden ist die Natur. Fallende Blätter treiben im Wind. Wir spüren bereits die düstere, kalte Jahreszeit. Der Ukrainekrieg dauert an, Israel wurde von einer Terrororganisation überfallen. In diesen dunklen Zeiten vermittelte der Gesangsabend des Grimmmischchores am letzten Sonntag in der Katholischen Kirche in Steinau a.d. Straße neue Kraft und Zuversicht.

In der angenehmen Atmosphäre des sehr gut besuchten Gotteshauses wurde das Vokalensemble in zurückhaltendes, farbiges Licht getaucht und war oft nur schattenhaft zu erkennen. Doch trotz des Ortes und zahlreicher geistlicher Melodien handelte es sich nicht um ein religiöses Konzert. Die Aufführung begann mit dem Stück „Morgenrot“ und endete mit dem „Abendlied“. Symbolisch nahm uns der Chor mit auf eine Tagesreise.

Das Programm war in mehrere Blöcke mit diversen Songs unterteilt, in die jeweils ein Chormitglied einführte. In den ersten Gesängen ging es um die Frage nach neuen Wegen und die Zeit des Abschieds. Einmal sogar poetisch-humorvoll im Schlaflied einer Seehündin für ihren kleinen Heuler: „Ach mein kleiner Flipper, roll dich behaglich zusammen…“ Bald wurde es spiritueller: „Wo Güte ist und Liebe, da ist Gott“, hieß es oder „Alle Augen warten auf Dich“. Himmelsboten wurden besungen mit Felix Mendelssohn-Bartholdys „Denn er hat seinen Engel“. 

Zwischendurch sprach eine Sängerin über ihren persönlichen Zugang zum Repertoire, eine andere deklamierte zur Herbststimmung passende Gedichte von Rainer Maria Rilke und Mascha Kaléko: „…ein welkes Blatt treibt still im weiten Raum.“ Der dramatische Höhepunkt der eineinhalbstündigen Darbietung waren die überaus kräftigen Gesänge „Domine“ oder „Ehre und Preis“ – gleichsam Rufe in diese dunkel werdende Welt. Leonhard Cohens „Halleluja“ brachte das Publikum dann langsam wieder herunter und zum leisen Mitsingen.

Neben deutschen Liedern gab es viele lateinische und englische Stücke, deren Texte oft kaum zu „verstehen“ waren. Aber gerade musikalische Klänge können ja das Unsagbare (oder das akustisch nicht Verstehbare) ausdrücken und fühlbar machen.

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„Anselm – Das Rauschen der Zeit“

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Regisseur Wim Wenders porträtiert Anselm Kiefer, einen der einflussreichsten deutschen Künstler der Gegenwart. Ab 12. Oktober im Kino.

Große weiße Kleider aus festem Material stehen, weit entfernt voneinander, in einer kargen Landschaft. Die Kamera fährt nahe heran und wir erkennen verwelktes Gestrüpp, alte Ziegelsteine oder eisernes Geflecht als Köpfe der Gebilde. Die nächsten Bilder zeigen Türme, ebenfalls weit auseinander, aus aufeinander gestapelten Betonhütten. Schließlich befinden wir uns in einer verfallenen Industrieanlage, in der sich weitere weiße Wesen befinden. 

Das alles wird im milchigen Licht gefilmt, man hört sphärische Klänge oder geheimnisvolles Gewisper. So entführt uns Regisseur Wim Wenders, auch mittels der 3D-Technik, in die fantastischen Welten des Künstlers Anselm Kiefer. Den erleben wird dann in (s)einer alten gigantischen Fabrik im Süden Frankreichs. Seine Kunstanlage ist so ausgedehnt, dass er darin mit einem Fahrrad fährt, um seine archaischen Materialien oder angefangenen Objekte zu sichten. Später sehen wir, wie er mit einem Flammenwerfer Gestrüpp auf seinen riesigen Bildern ankokelt, flüssiges Blei dazu gießt oder mit einer Schaufel Farbe aufträgt. 

Ein kleiner Junge singt „Maikäfer flieg / Dein Vater ist im Krieg…“ Er steht wohl für den kleinen Anselm, der sporadisch immer wieder als biografisches Element im Film auftaucht. Aber das Kind spielt nicht den kleinen Anselm, sondern durch die Bilder mit ihm werden frühe Einflüsse auf Kiefers Sensibilität, Kreativität und Aggressivität spürbar. Ein Environment in Ruinen mit verstreuten Kleidern wird überblendet mit Bildern von Bombenabwürfen, Explosionen, Berliner Trümmerfrauen – und immer wieder erscheinen dazwischen Kiefers gigantische Tableaus mit Erde, Metall und Farben, dazu klagende Töne und Gesänge. 

Mit flüsternden Stimmen klingen Paul Celans Gedichtzeilen an: „…Schwarze Milch der Frühe wir trinken dich nachts / wir trinken dich mittags der Tod ist ein Meister aus Deutschland…“. Die „Todesfuge“ des Dichters transformiert Kiefer in Bilder und lässt sie erfahrbar werden.

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Sind wir alle Reisende?

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Wir alle sind Viaggiatori, Reisende – teilt uns der italienische Künstler Idilio Galeotti in seiner Studioausstellung in der Kunststation mit. Vor dem Studio steht er selbst als lebensgroße Puppe, im Saal zeigt ein Video die fiktive Erzählung eines Mannes, dargestellt von Galeotti, der nach jahrzehntelangem Schlaf im Eis in einer veränderten Welt wiedererwacht.

Die Unbilden oder Freuden der neuen Zeit zeigt uns der Künstler nicht nur im Video, sondern drückt sie in seiner Schau auch mit Skulpturen aus gebranntem Ton aus: Da gibt es die fast militärisch aufgereihten, knallbunt glasierten Reisenden. Oder Rotfüchse, die Berlin erobern wollen. Dann den Container-Lastwagen als Keramikskulptur, in dessen Fensterscheiben vage Träumereien erkennbar sind; am Steuer des Fahrzeugs hockt ein Schäferhund. „Wenn Lastwagen, die Waren transportieren, sich verwandeln in Wagen für Emotionen, Wünsche, Wunder“, nennt der Bildhauer dieses Objekt.

Schnell wird klar, Galeotti ist beileibe kein Töpfer, sondern ein mit Ton arbeitender Poet, der die Garstigkeit unserer sich drehenden Welt (so eine weitere Skulptur) und die Unzulänglichkeit der Menschen ironisch aber nachsichtig anprangert. Sein keramisches Architekturensemble mutet sogar hoffnungsvoll an und setzt einen Kontrapunkt gegen allzu negative Weltsichten. Aus eigenartig schönen, futuristischen Gebäuden treten einzelne, vielleicht einsame Menschen heraus, die sich in die schöne neue Welt trauen. Einer nähert sich wohl behutsam seiner nackten Nachbarin… „Die unvollkommenen Architekturen der Seele“, heißt der etwas verrätselte Titel dieser fantastischen Werkgruppe.

Galeotti lädt uns als Reisende zur Entdeckungstour durch seine fröhlich bis sarkastische Kunstwelt ein. Er lebt in Modigliana, der Partnerstadt von Hofbieber, deren italienischer Freundeskreis die Ausstellung im Studio unterstützt und gemeinsam mit Monika Ebertowski, Leiterin der Kunststation, ausheckte.

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Neues in der Rhön…

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In ihrer Herbstausstellung präsentiert die Kunststation Kleinsassen Arbeiten von drei Kunstschaffenden in Soloausstellungen, sowie einem Künstler im Studio. Beim ersten Rundgang wird deutlich, wie vielfältig die Werke sind und dennoch gut zusammenpassen.

MICHAEL APITZ nennt seine Schau „Rhein trifft Rhön“, ins Auge fällt sofort die Milseburg-Trilogie. Das legendäre Bauwerk und seine Umgebung sind gerade noch erkennbar, jedoch in unwirklichen grünen, orangenen oder gelben Farben gehalten. Sein „Leinpfad“ wirkt wie eine dramatische Eruptionsmasse. Manche Gemälde, etwa der „Berg in Rot“ oder „Der Blick“, sind mit den dick aufgetragenen Farben so reduziert, dass sie nicht mehr gegenständlich wirken. 

Der Künstler arbeitet nicht in der Natur, sondern in seinem Atelier entstehen – nach ausgedehnten Wanderungen – diese emotional aufgeladenen, kraftvollen und durch die Farbe verfremdeten Gebilde auf seinen Leinwänden: So wie er die überwältigend wilde oder gezähmte Natur vielleicht erlebt hat. 

GEORG KÜTTINGER schafft „Räumliche Partituren“ (Titel). Verschieden lange Poller in unterschiedlichen Farben ragen aus dem Wasser und spiegeln sich darin. Aneinandergereihte Baumteile mit wechselnden Rinden in unterschiedlichen Jahreszeiten irritieren. Die Fotografien der eigentlich realen, aber nicht wiederzuerkennenden Landschaften, sind von unwirklicher Künstlichkeit. Denn der Fotograf hält seine Motive zu unterschiedlichen Tageszeiten – bei wechselndem Licht – oder aus verschiedenen Perspektiven fest. Später zerlegt er seine Bilder und fügt sie zu Remixen zusammen, die man einfach als Spiel sehen kann, jedoch auch als Rekonstruktion seiner persönlichen Erinnerungen an reale Orte. 

Die Objekte seiner zweiten Werkgruppe wirken wie große Mosaike aus Glasplättchen, die sich beim Bewegen des Betrachters verändern. Über die Technik zur Herstellung dieser „Interferenzen“ werden wir noch berichten.

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„Die Mittagsfrau“ verfilmt…

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„Die Mittagsfrau“ ist ein weiblicher Naturgeist in der slawischen Sagenwelt, sie gab dem Film ihren Namen. Man muss ihr alles erzählen muss, wenn man sie trifft: Wer man ist und woher man kommt, sonst findet man keinen Frieden. Doch im äußerst ruhig erzählten und oft abschweifenden Film, braucht man lange um zu verstehen, wer die verschiedenen Personen eigentlich sind und was sie umtreibt. 

Die halbwüchsigen Mädchen Helene (Mala Emde) und Martha (Liliane Amuat) leben im spießigen Bautzen bei ihrer jüdischen, aber psychisch schwerkranken Mutter. Unvermittelt beginnt die oft zu toben, Geschirr zu zerschmeißen und die jungen Frauen zu schurigeln. Am Ende der 1920er-Jahre machen sich die beiden auf ins wilde Berlin und wohnen bei ihrer exzentrischen Tante. Während die lesbische Martha sich endlich ausleben kann, versucht Helene das Abitur nachzuholen, um Medizin zu studieren. Dennoch verliebt sie sich heftig in Karl, der mit ihr die Leidenschaft für Literatur und Bildende Kunst teilt: 

„Es ist ein Weinen in der Welt / als ob der liebe Gott gestorben wäre / und der bleierne Schatten, der niederfällt, / lastet grabesschwer“, heißt es bei Else Lasker-Schüler, der Lieblingsdichterin der Liebenden. Und tatsächlich fallen bleierne Schatten: Karl kommt beim Reichstag um, als die Nazis die Macht ergreifen, für die beiden halbjüdischen Geschwister wird es in Deutschland lebensgefährlich. Martha und ihre Tante wollen Deutschland verlassen, während die verzweifelte Helene vor Trauer um Karl wie gelähmt ist.

Wilhelm, ein strammer Nazi, verliebt sich in sie, nur widerwillig gibt sie seinem Drängen nach. Er begleitet sie in eine Irrenanstalt, in die ihre Mutter eingesperrt wurde. Die Nazis versuchen hier einen Zusammenhang zwischen Jüdisch-sein und Geisteskrankheit zu erfinden. Dadurch erfährt Wilhelm von der jüdischen Herkunft seiner Angebeteten. Er ist zwar entsetzt, besorgt ihr dennoch falsche „arische“ Papiere und fordert als Gegenleistung die Heirat. In der Hochzeitsnacht ist er wütend, dass er keine blutende Jungfrau bekommt. Trotz großer Vorsicht wird Helene später schwanger, doch der Nazi will „von dem Balg“ nichts wissen, verlässt sie und verweigert den Unterhalt.

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Performance zur Eröffnung der Ausstellung „Fragil“

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Zur Eröffnung der Ausstellung „Fragil“ des Fuldaer Kunstvereins realisierte die Künstlerin Hannah Wölfel eine zweistündige Performance zum Thema. Die Performance dauerte zwei Stunden.

Kurz vor der Eröffnung der Ausstellung setzte sich Hannah Wölfel auf einen schwarzen Stuhl im Gang zur Kapelle und fixierte sich selbst mit rot-auf-weißen Klebebändern „FRAGIL“. Die Leute mussten sich beim Hereinkommen entscheiden, ob sie links oder rechts an der Künstlerin vorbeigehen wollten. Anschließend blieb sie noch eine Stunde zwischen den Besuchern und Besucherinnen sitze, bevor sie ihre Aktion beendete.

Als Künstlerin trat sie nicht hinter ihr Werk zurück, sondern wurde während der Performance selbst ein  künstlerisches Objekt. Sie versetzte sich in  fragile Zustände, in denen sie aber keinen Kontakt mit dem Publikum aufnahm und auf Begegnungen nicht reagierte.

Zurückgezogen aber intensiv konzentrierte sie sich auf das Thema „FRAGIL“. Jenseits und doch als Teil der Vernissage spürte sie fragilen Ereignissen in ihrem Leben und ihrer aktuellen Situation nach. Ihre dadurch entstandenen Emotionen sollten für Außenstehende nach-fühlbar werden. Als lebende Skulptur „FRAGIL“ war sie eingeschnürt, gehemmt, behindert und forderte das Publikum zu eigenen 
Erinnerungen heraus.

Dadurch transformierte sie einstige oder aktuelle private Erfahrungen des „FRAGILEN“ – also individuelles Erleben – in universelle Bedeutung. Die positive Resonanz der Leute auf ihre Aktion war gewaltig.